11 octobre 2021

Soirée 1 - 18h

@MTL-Connecte
Satosphère de la SAT

                              


Myriam Bleau et
Sandrine Deumier

Myriam Bleau est une artiste numérique et une compositrice électronique basée à Montréal. Utilisant la musique et le son comme points d’ancrage, elle crée des performances audiovisuelles de musique électronique, des interfaces gestuelles et des installations qui articulent son, lumière, image et mouvement. Son travail a été reconnu et présenté internationalement, notamment: Prix Ars Electronica (AT), Sónar (ES, HK), Mutek (MX, CA, AR, JP), ISEA (CA, KR), Transmediale (DE).

Sandrine Deumier est une artiste pluridisciplinaire travaillant dans le domaine de la performance, de la poésie et de l'art vidéo dont le travail explore des thématiques post-futuristes au travers du développement de formes esthétiques liées aux imaginaires numériques. 

Programme
L'alter-Monde
(2020), 24’ (première américaine)
Animation digitale (SD) et musique électronique (MB)
Évocation d’un jardin cybernétique, mêlant espaces artificiels et excroissances végétales semi- humanoïdes, L’alter-Monde développe un imaginaire reflétant une symbiose entre l’être humain et un état de nature retrouvé. Les thématiques principales évoquées sont les mutations bio- technologiques, les figures du cyborg et les questionnements sur une sortie possible de l’Anthropocène. Le projet propose un imaginaire audiovisuel sous-tendant une pensée de l’écosophie et de symbiose inter-espèces, en explorant, au travers d’un état spécifique d’immersion, la possibilité de nous identifier à une nature mutante. Par le biais de ces phénomènes d’empathie induits par le format immersif, l’enjeu serait d’immerger le public dans un devenir-végétal et potentiellement dans l’expérimentation d’une vie infra-humaine. À la recherche d’une sensibilité non-humaine / hypernaturelle / bio-sensitive.

Œuvre primée au 24e Japan Media Arts Festival (Festival Platform Award - Dome Theater Category), 2021.

Avec le support de la Cité des Sciences et de l’Industrie, le Conseil des arts et des lettres du Québec et le Conseil des arts du Canada. 


















GGROUNDD

GGROUNDD est un duo d'art audiovisuel formé de Line Katcho et de Guillaume Cliche. Basés à Montréal, ils se rencontrent lors de leurs études au Conservatoire de musique de Montréal où ils étudient la composition électroacoustique. Par la suite, ils animent ensemble une émission à la radio de CKUT 90.3FM. En 2019, ils planchent sur un projet de performance audiovisuelle générative qui aborde la notion des limites. Le projet se nomme Limit Brick. Il sera présenté en première à Mutek Montréal 2020 et par la suite diffusé au festival Transart (Italie) et Node (Allemagne). Leur plus récente création, Cristal métal, a été présenté cette année au FIMAV (Victoriaville). GGROUNDD cherche à susciter chez l'assistance une expérience sensorielle, tantôt viscérale et brute, tantôt planante et énigmatique. Nous créons des œuvres psychotoniques singulières, parcourant les frontières de l'émoi frénétique et du rayonnement hypnotique.

Programme
création AV







                       

Simon Chioini

Issu d’une communauté locale d’artistes expérimentaux, Simon Chioini crée une musique à l’esthétique hybride qui entremêle genres et sonorités. À travers des œuvres acousmatiques de forme longue et une production de musique technoïde aiguisée, ses incursions dans une musique abstraite liée aux éléments de la scène de club ont des racines profondes, ancrées dans un parcours académique et une réelle passion pour les musiques underground des dernières décennies.

Programme
création





12 octobre 2021

Soirée 2 - 20h

@ Le Vivier
Le programme Akousma_En-Direct est présenté en codiffusion avec Le Vivier, un regroupement dont Akousma est membre depuis 2007.
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Takuto Fukuda et
Ana Dall’Ara-Majek 

blablaTrains est un duo composé des artistes Ana Dall’Ara-Majek et Takuto Fukuda, dont les performances intègrent gestes physiques et sons électroacoustiques à l’aide de leurs instruments analogues/numériques – le Theremin augmenté d’Ana et le contrôleur gestuel de Takuto.

Le duo a reçu le deuxième prix à IEMC2021 (Chine) et il a pu être entendu dans des événements d’envergure international comme Live@CIRMMT 2020 (Montréal, Canada), NIME 2019 (Porto Alegre, Brésil), Now Hear This Festival 2018 (Edmonton, Canada) et MA/IN Intermedia Festival 2018 (Matera, Italy).

Ana Dall’Ara-Majek est une compositrice, artistes sonore et chercheuse basée à Montréal. Elle s’intéresse prinipalement aux interaction entre l’électroacoustique et la musique instrumentale. Elle est active en composition multimédia et performe fréquemment en live electronic.

Tajuto Fukuda est un compositeur, artiste sonore et il joue du contrôleur gestuel. Il s’intéresse paeticulièrement à l’amélioration de l’expérience du public grâce à la technologie. Il est également actif en installation interactive.

Crédit photo : André Parmentier

Véro Marengère et
Alain Lefebvre  

Véro Marengère est une chercheuse et artiste audiovisuelle émergente de la scène montréalaise. Elle crée des œuvres qui évoquent l’enchevêtrement des relations, la culture pop, l’écosophie et l’intimité numérique. Inspirée par les objets de tous les jours, les communautés numériques, l’ASMR, l’électromagnétisme et la voix humaine, elle propose un travail audiovisuel à la fois ludique et engagé. Véro Marengère est actuellement étudiante au 2e cycle en musiques numériques à l’Université de Montréal, sous la direction de Myriam Boucher. Elle est auxiliaire d’enseignement ainsi que lead conceptrice du projet national de littératie numérique AlphaNumérique. 

Alain Lefebvre fait du bruitisme abstrait avec des objets amplifiés et des appareils lo-fi qu’il pousse au-delà de leurs fonctionnalités. Il s’intéresse à l’utilisation des sons typiquement indésirables comme moyen de remettre certaines perceptions esthétiques en question. Sa musique manipule les courts-circuits, les vrombissements 50-60Hz, les décalages de courants continus, les interférences électromagnétiques et autres erreurs analogiques. Suite à plusieurs années en tant qu'organisateur culturel de la scène underground montréalaise, Lefebvre a cofondé Rara Avis en 2018 - une étiquette numérique pour la musique expérimentale. Ses albums sont également parus chez Kohlenstoff, Jeunesse Cosmique et Mikroclimat, parfois sous le surnom de Total Music.
Programme
The Journey of Objects into Selfhood évoque un espace intime et communicatif dans lequel les formes sonores émergent spontanément comme les personnages d’une pièce de théâtre improvisée. Par la manipulation d’objets amplifiés, de jeux de lumières et d’électromagnétisme, l'œuvre explore la possibilité de repenser nos relations aux objets de tous les jours dans une perspective Fluxus et néoanimiste. En adoptant une posture qui privilégie la matière à la pensée, The Journey of Objects into Selfhood n’impose pas d’idées mais impose plutôt la pratique de l’empathie.






Anne-F Jacques

Anne-F Jacques est une artiste sonore habitant à Montréal. Elle s'intéresse à l'amplification, aux interactions obliques entre matériaux et à la construction de divers systèmes et assemblages idiosyncratiques. Son (in)attention se concentre plus particulièrement sur les technologies légères, les objets banals et les sons rugueux. Elle présente des installations sonores, performances et interventions éphémères dans divers endroits, souvent improbables.

Programme
Tenir à un fil (2021), 10”
Quelques rencontres entre objets, amplifiées.




Érick d’Orion

Artiste interdisciplinaire de l’audio et commussaire résidant à Montréal depuis 2015. En tant que commissaire, il a organisé plus d’une dizaine d’évènements portant essentiellement sur l’art audio et la création sonore de pointe. Il était commissaire à la programmation du centre Avatar (Québec) d'octobre 2008 à juin 2010. Il est aussi commissaire pour le volet installations sonores du Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville (FIMAV) depuis 2010. Concentrant en bonne partie ses recherches audio sur le maximalisme numérique, d’Orion effectue un travail qui se rapproche étroitement du noise, de la musique concrète, du free jazz et de l’électroacoustique.

Depuis l’été 2015, il travaille en collaboration avec l’artiste interdisciplinaire Catherine Lalonde Massecar (duo Massecar • d'Orion). Il est membre du duo morceaux_de_machines, du trio BOLD et du trio Napalm Jazz. Il a joué en concert avec Evan Parker, Martin Tétreault, Otomo Yoshihide, Robin Fox, Ilpo Vaisanen, Diane Labrosse, eriKm, Sam Shalabi, Gunter Muller et plusieurs autres artistes de renom.

Son travail a été présenté en Europe, en Australie, à Cuba, au Mexique, en Haïti et aux États-Unis d’Amérique.


Crédit photo : Luc Sénécal

Léa Boudreau

Léa Boudreau est une artiste sonore basée à Montréal orientant sa pratique vers le circuit-bending et le DIY. Par l'entremise de la musique électroacoustique, de performances et d’installations, elle explore le caractère insoupçonné d'objets usagés en intégrant une touche d'humour à ses œuvres. Elle a reçu plusieurs prix et bourses au cours des dernières années (2e et 3e prix JTTP 2020 et 2019 de la Communauté électroacoustique canadienne, le prix Marcelle Deschênes 2019 de la Faculté de musique de l'Université de Montréal, le 3e prix Hugh-Le Caine 2017 de la fondation Socan, etc.) et ses projets ont été diffusés un peu partout autour du globe. Elle a publié un premier album solo (Chaos contrôlé) en 2020 chez Mikroclimat et débutera un MFA en intermédia à l’Université Concordia à l’automne 2021.

Programme this performance is no longer available due to [...] est une performance en constante évolution depuis sa création en 2019. Elle incorpore circuit-bending et traitements sonores en temps réel. Le projet met de l'avant la réutilisation de jouets électroniques et d’objets de tous les jours et intègre des objets recyclées différents à chaque représentation, reflétant les dernières trouvailles de l’artiste lors d’une excursion d’un soir dans les ruelles d’une grande ville ou d’une visite chez grand-maman. Cet aspect prouve que les ordures de l’un peuvent réellement être les trésors de l’autre.

Site web / ︎



Martin Rodriguez

En tant qu'artiste multidisciplinaire Chicanx et commissaire indépendant, le travail de Martín Rodríguez émerge d'expériences personnelles. Engagée dans le présent, sa pratique mélange la performance avec des happenings interventionnels et des installations.

Après avoir été opéré d'une tumeur au cerveau qui l'a laissé temporairement paralysé, Rodríguez a cherché un nouveau sens à son travail.  Lorsque des signaux radio emprisonnés dans sa guitare se sont mis à chanter, il s'est emparé du phénomène et a commencé à explorer les fissures du spectre radioélectrique comme matériau de création artistique. Son travail a notamment été présenté au Musée d'art contemporain de Montréal (CA), au MUAC (MX), à la Fonderie Darling (CA), à Spektrum (DE), ainsi qu'à divers festivals et salles de spectacles au Canada et aux États-Unis.


Crédit photo : Jose Garcia-Lozano


Dominic Jasmin 

Dominic Jasmin est un improvisateur et compositeur électroacoustique vivant à Montréal. Sa musique se situe aux frontières des musiques actuelle et acousmatique, mélangeant la nature accidentelle et imprévisible de l’improvisation aux techniques électroacoustiques pour créer quelque chose qui pourrait être qualifié de « bruit avec une forme ». Il travaille principalement avec des sons d’objets et du traitement électronique, mais incorpore parfois de la guitare et des synthétiseurs à ses performances en direct. Il est également membre du duo noise Chayer/Jasmin et du collectif Kohlenstoff.




13 octobre 2021

Soirée 3 - 19h
Bloc_1


Veuillez noter qu’il est possible de vous procurer un PASSEPORT AKOUSMA pour les concerts donnés à l’Usine C les 13, 14 et 15 octobre.
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Jean-François Blouin 

La musique de Jean-François Blouin se forme dans une relation avec le lieu, l’espace, le matériau et le temps. L’interaction entre instruments acoustiques et électroniques ainsi que l’intégration d’une dimension médiatique donnent à son œuvre un spectre large. Les relations entre tradition et modernité, écologie et urbanité, gestuelle minimale et densité spectrale sont au cœur de l’articulation de son langage. En 2008 il a obtenu le Prix de composition électroacoustique du Conservatoire de Musique du Québec. La même année, il a été nommé au Palmarès de Bourges et finaliste à JTTP (Communauté Électroacoustique Canadienne). Depuis, il a publié des œuvres acousmatiques et mixtes, créées en studio ou en concerts.

Programme
« Ma démarche a pour point de départ l’étude de la phonographie. Suite à de nombreux enregistrements de mon environnement immédiat, je souhaite regrouper les événements sonores les plus marquants d’une journée “complète” et les condenser en une forme de miniature. Chaque miniature/section de la pièce représentera une journée différente d’enregistrement dont les proportions temporelles auront été manipulées. S’ensuivra un travail de traitement du matériau visant à extraire le potentiel musical de cette matière d’origine acoulogique pour la transformer en matière acousmatique. »




Félix-Antoine Morin

Que ce soit par le médium de la musique ou de l’image, les oeuvres de Félix-Antoine Morin participent à une démarche globale dont le principe esthétique explore le concept de facture poétique. En transfigurant la réalité par des jeux de déplacement vers le fictif et l’abstrait, ses créations révèlent un lyrisme qui résulte d’une multitude d’étapes d’écriture, de transformation et de mutation du réel vers de nouvelles images perceptives visuelles et sonores. Son domaine de travail s’étend sur une vaste gamme de médiums dont la composition électroacoustique, l’art vidéo, le dessin de partitions graphiques, la photographie, la conception d’installations immersives et les nouveaux médias. 

Félix-Antoine Morin a étudié les arts visuels à l’UQAM et la composition électroacoustique au Conservatoire de Montréal. En 2008, il remporte un prix du JTTP et en 2012, il reçoit le prix Joseph S. Stauffer du Conseil des arts du Canada. Ses oeuvres ont été présentées lors de plusieurs événements nationaux et internationaux. Il est aussi membre fondateur de l’étiquette Kohlenstoff Records.

Programme
Spéléogenèse fait partie d'une série d'œuvres composées à partir d'enregistrements que j'ai réalisés dans des grottes au Vietnam en 2020. La plupart de ces enregistrements ont été fait au parc national de Phong Nha-Ke Bang, un endroit réputé pour son grand nombre de grottes, dont celle de Hang Son Ðoòng, considérée comme la plus vaste galerie souterraine au monde. En plus d'enregistrer des éléments sonores se produisant naturellement à l'intérieur des grottes, j'ai aussi improvisé de la musique qui était diffusées sur de petits haut-parleurs et enregistrées par des microphones que j'ai disposés de manière à capter les espaces acoustiques des grottes. Le son des haut-parleurs devaient parfois passer par plusieurs couloirs et galeries avant d'atteindre mon appareil d'enregistrement. Ainsi les sons étaient « travaillés » au fil de leur déplacement par l’architecture et les aspérités rocheuses, dans un dialogue entre le son et l’espace. Ces sanctuaires de pierre me renvoyaient en effet les sons produits en y ajoutant un spectre sonore plus large que je réintégrais ensuite dans ma musique et redirigeais encore vers ces mêmes espaces.



Crédit photo : Carl Lessard

Chantal Dumas

Artiste sonore montréalaise, Chantal Dumas explore le médium du son depuis plus de 25 ans. Son travail s'incarne sous forme de narration et de paysage sonore, de composition, de parcours d'écoute et d’installation. Les années ont mis en lumière une récurrence thématique (espace, temps, territoire, nature, ailleurs) soulignant une conscience environnementale qui se conjugue à un intérêt marqué pour l'écoute. La cartographie intervient donc naturellement dans ce contexte comme élément structurant de certaines de ses propositions.

Dumas a résidé au Studio du Québec à New York (CALQ-2011) et au Studio des Récollets à Paris (CALQ-2016). Elle a reçu le prix Opus - Concert en musique électroacoustique (2009) et les prix Bohemia (République tchèque) et Phonurgia Nova (Fr) en radio. Son travail a été largement diffusé sur les radios publiques européennes et les festivals étrangers. Ces dernières années, elle a élargi sa palette en collaborant à divers projets en tant que designer sonore. Ses productions récentes comprennent entre autres une commande de DeutschlandFunk Kultur, Oscillations planétaires, qui évoque le monde géologique. L'album a été finaliste au Prix Opus 2019-20. Elle est aussi conceptrice sonore du spectacle multidisciplinaire Le désert mauve, adaptation libre du roman de Nicole Brossard (Productions Rhizome) et celle de Roxham, un projet du photographe Michel Huneault sur la migration, produit par l'ONF Interactive Web.

Programme
Oscillations planétaires est une évocation géologique. De toutes les couches qui la composent, du noyau aux aires de surface, la planète Terre est mue par des mouvements ondulatoires qui agissent à des échelles temporelles extrêmement différentes. Alors que certains s’inscrivent dans une temporalité géologique, d’autres peuvent répondre à un rythme journalier. Cet ensemble oscillatoire participe aux mécanismes qui régissent la dynamique de la Terre. Voici les phénomènes évoqués : Tremblements de terre, Plaque antarctique, La subduction, Fosse océanique, Convection mantellique, Les geysers.






13 octobre 2021

Soirée 3
Bloc_2 


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Un billet donne accès aux blocs 1, 2 et 3

Kevin Austin

Kevin Austin, compositeur, éducateur, animateur en arts. Né à Londres, Angleterre, s’est installé à Montréal à l’âge de neuf ans.

Compositeur / inventeur de musiques depuis environ 65 ans; enseignant depuis plus de 55 ans; actif dans le domaine de l’électroacoustique depuis environ 55 ans; producteur de concerts et d’événements depuis plus de 50 ans. Il a composé dans la plupart des idiomes musicaux de concert — instrumentaux, de chambre et solos, grands ensembles, vocaux et instruments chinois — et dans des idiomes électroacoustiques multicanaux, des supports fixes à la performance et l’improvisation électroacoustiques en direct, le son média, l’art de la performance/le théâtre, l’engagement social, l’environnement sonore, etc.

Cofondateur de la Communauté électroacoustique canadienne, il a écrit des articles sur l’électroacoustique et un cours de formation auditive de deux ans au niveau universitaire. La broderie, la peinture et la couture sont des activités courantes. Tout m’intéresse.

Programme
Concrete Studies — Seven Concrete Studies in Nine Movements (2008-09)

Une pièce multi-canaux à source ponctuelle. Il s’agit d’études d’«amplitude» concrètes, mono-source, micro-éditées. Le seul traitement a consisté à couper, copier, coller et changer l’amplitude, Thunder ayant été légèrement égalisé.



Crédit photo : Brian Campbell

Stéphane Roy 

Stéphane Roy est compositeur en art acousmatique. Il emploie une démarche plasticienne qui lui permet d’extraire après une longue exploration du matériau sonore des propriétés expressives qui se matérialisent dans ses oeuvres récentes par une écriture du tragique, et parfois de la démesure, ainsi qu’une tension dramatique soutenue.

Stéphane Roy est aussi musicologue, il est l’auteur de plusieurs articles et d’un ouvrage sur l’analyse de la musique électroacoustique (L'Harmattan, Paris, 2003) qui lui a valu en 2005 le Prix Opus du “Livre de l’année”. En 2021, c’est son dernier disque, L’inaudible, qui a obtenu le Prix Opus 2019-2020 dans la catégorie “Album de l’année – Musique actuelle, électroacoustique”. Stéphane Roy a par ailleurs remporté des prix et des mentions lors de concours de composition électroacoustique nationaux et internationaux. Ses oeuvres ont été présentées à plusieurs reprises tant en Europe que dans les Amériques. Ces dernières années, il a participé à divers festivals internationaux où il a procédé à la création européenne de ses dernières oeuvres. Il a également créé quelques-unes de ses oeuvres lors de concerts donnés au Conservatoire de musique de Montréal.

Les oeuvres de Stéphane Roy ont été éditées sous diverses étiquettes, notamment empreintes DIGITALes (Kaleidos, 1996; Migrations, 2003; L’inaudible, 2019).

ProgrammeVoies crépusculaires (2014) 15’ 28”
Comme la plupart de mes oeuvres, Voies crépusculaires est née de l’exploration des matériaux sonores que j’ai choisis et captés de prime abord pour leurs qualités morphologiques. En explorant cette plasticité du son, j’ai été conduit à opposer des textures, à réaliser de multiples
transpositions, filtrages et mixages en cascade dans le but d’accentuer les qualités saillantes du matériau. Voies crépusculaires est constituée d’unités pulsées qui se déploient au travers d’une texture additive jusqu’à créer une plénitude sonore qui s’évanouit soudaine-ment dans une atmosphère furtive. Parfois, avant même d’atteindre leur horizon crépusculaire, ces processus sont interrompus par des séquences sinueuses parsemées de figures sonores antagonistes et de rappels allusifs, qui tiraillent le propos avant que celui-ci reprenne son cours initial et s’embrase dans une
agitation extrême. Ces unités pulsées, réitérées, agissent comme un axe structurant tant à
l’échelle micro que macro de l’oeuvre.

Cette recherche inspirée par la plasticité du matériau remonte à mes premières oeuvres, dont Crystal Music (1992-94). Cependant, j’ai fait ici appel à la pulsation comme principe unificateur, de manière à autoriser le développement d’une multitude d’objets musicaux déployés dans divers plans du champ sonore.



Crédit photo : Maddi Berger

Pauline Patie

Pauline Patie Pelicaut est une compositrice française de musique électro-acoustique. Anciennement intermittente du spectacle en France, elle vient récemment de terminer son baccalauréat au département de musiques numériques de l'Université de Montréal, et compte y poursuivre son cursus. S’intéressant à l’effet de transe, ses créations proposent une exploration de l’association de l’état d’inconfort et d’apaisement suscité chez l’auditeur. Ainsi, elle s’interroge sur la mystérieuse réactivité du corps face à l’immersion et sa causalité.
Programme 
Bulle d’air (2021) 8”59’
La narcose, ou autrement appelée ivresse des profondeurs, est un phénomène naturel qui entraine des changement d’états comportementaux et physiologiques chez le plongeur assujetti aux lois physiques de la pression. Par l’utilisation de la synthèse et de la prise de son, la pièce propose une exploration des profondeurs obscures jusqu’aux lueurs d’espoir renouées de la surface.






13 octobre 2021

Soirée 3
Bloc_3 


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Un billet donne accès aux blocs 1, 2 et 3

Claude Périard

Claude Périard est une artiste multidisciplinaire montréalaise dont le travail est surtout axé sur l’art sonore et la musique. Détentrice d'un baccalauréat en musiques numériques de l'Université de Montréal, elle a fait paraître une douzaine d'albums de musiques pop et expérimentale, conçu des installations sonores et réalilsé des films expérimentaux. Elle est aussi preneuse de son et mixeure pour le cinéma.

Programme
Terrains vagues (2018) explore trois lieux sonores distincts : 1. Plage blanche, 2. Chambre noire, et 3. Zone grise. La pièce offre un voyage à travers des territoires imaginaires et met en opposition des sons aquatiques avec des sons électroniques, comme métaphore de la ''société liquide''. L'eau est symbole de l'origine du vivant organique, et sa mise en dualité avec les sonorités électroniques évoque l'époque hyper technologique dans laquelle nous vivons. La fonte des glaciers et les inondations à venir nous rappellent le potentiel destructeur de l'eau envers les dispositifs électroniques, bien que, paradoxalement, notre électricité soit produite par l'eau.




Sarah Feldman

Sarah Feldman conçoit des musiques texturales basées sur des rythmes hétérogènes.

Sensible, puissant et complexe, son travail trouve sa source dans sa formation en électroacoustique, sa personnalité analytique, et de nombreuses années à jouer de la batterie.



Jesse Osborne-Lanthier

Actif depuis 2007, Jesse Osborne-Lanthier est un artiste multidisciplinaire Montréalais, basé à Berlin et un musicien qui recourt à des systèmes alternatifs cognitifs au travers de ses mixes sonores. Il a notamment collaboré avec with Bernardino Femminielli de Femminielli Noir, The H (Francesco De Gallo – Hobo Cubes) et plus récemment avec des labels comme Where to Now?, Halcyon Veil, MIND Records et raster-noton. Il utilise la musique et l’art comme un subsitut et un système d’archivage de ses humeurs, pensées, opinions politiques et de ses intérêts du moment (…parfois brefs). Le but étant de créer une mémoire abstraite de lui-même avec laquelle il peut interagir, afin comprendre la corrélation entre lui-même, ses idées et ses identités, autant dans le privé que le public. Sans se limiter à la musique en tant que telle ou encore à un genre en particulier, il joue avec les contrastes sonores, entre : subtile/texturé, structuré/fluide, symphonique/dissonant, minimal/complexe, présent/futuriste/intemporel. Il tire profit des technologies et techniques existantes pour créer un langage hybride, tout en se concentrant sur « l’intensité » comme un outil d’engagement immersif.