Christian Bouchard

Commence par la guitare électrique puis classique puis électrique puis électrique préparée puis... plus de guitare mais de l’électroacoustique! Études au Conservatoire de Musique de Montréal. Touche à la musique pour le théâtre, le film, l’installation, le direct avec le quatuor Theresa transistor, la musique électronique et principalement la musique électroacoustique. Remporte des prix de composition de concours nationaux et internationaux, le plus récent étant le Joseph-S. Stauffer du Conseil des Arts du Canada. Christian Bouchard travaille également comme preneur de son en cinéma et télé-série.


Programme

Birdscape(2021-22) 14’ – création

Matière : chants d'oiseaux.

Fleurs sonores de la terre, premières mélodies terrestres, oscillateurs aux modulations complexes. Transposés, explosés, hachurés, permutés en de nouvelles espèces. La survie... Tout de même, une trace de leur trajectoire de vol mise en espace : figures en huit de l'hirondelle, courbes variées et saccadées de la chauve-souris, vols stationnaires et déplacements hyper-rapides de l'oiseau-mouche, lignes verticales de l'oiseau de proie, le sur-place du coucou, clusters, voiliers, etc...

Autour d'un nid électronique. Intempéries, chasse, jeux intimes, calme diurne, menace nocturne, l'humain et ses machines, l'ornithologue silencieux. Voici l'orchestre de bipède ailé.

Réalisé avec l'aide du Conseil des Arts et des Lettres du Québec.

Marie-Jeanne Wyckmans

Rocourt (Belgique) - 1954. Bruiteuse professionnelle, sa passion pour le son et l’écoute l’amène à découvrir la musique acousmatique en 1984, lors du 1er festival acousmatique international «L’Espace du Son» à Bruxelles.

Elle obtiendra un premier prix (1990), puis le Diplôme Supérieur de composition acousmatique (1993) dans la classe d’Annette Vande Gorne aux Conservatoires Royaux de Bruxelles et de Mons.

Tout en poursuivant son métier dans le monde du cinéma, elle y adjoint la création sonore : composition de musiques acousmatiques, musiques d’application pour le spectacle, pour la danse, pour des expositions et pour la radio.

Composition de musiques acousmatiques : Icebergs(quadriphonie), Murmurations (octophonique), Fin de Crise, L’Odeur du Soufre, (quadriphonie), Ce qu’entend le noyé, L’Hubris du Monde, Voyage-Mirages, Le Parti Flou des Sons, Paysages, Voyage, voyage (clip musical), Mouvement Browniens, Trajet, Appels, Tableau, La Terre et le Ciel, Envols 1, Alchimie, L’absence du Vide.

Programme 

l'Odeur du soufre (2020) 10’11"

Quelque chose dans l'air sent le soufre, nos sens nous alertent. La pièce est en quadriphonie (et réduction stéréo) pour nous immerger dans ces sensations qui nous entourent.

« Ce monde est un système de choses invisibles manifestées visiblement »

Saint Paul. Hébreux 11

« Les actions funestes sont, par leur nature, des poisons qui d'abord font à peine sentir leur mauvais goût, mais brûlent comme des mines de soufre… dès que la violence s'en mêle. »

William Shakespeare Othello (1604)

Citation légèrement modifiée d'un mot (« actions » au lieu d’« idées »). Dans l’histoire actuelle, la mauvaise foi a de nombreux effets néfastes sur la Vie.

Cette musique a été faite dans l'espoir de conjurer le sort qui vient d’une prémonition.

Réalisée au Studio Métamorphoses d’Orphée avec l’aide de la Fédération Wallonie-

Bruxelles, département de la musique.

Notice GB

Martin Bédard

Mes travaux actuels se concentrent principalement sur l’approfondissement et l’exploration des possibilités discursives des musiques audionumériques. À une ère où la création sonore est marquée par la fascination pour les nouveaux contenants médiatiques, la recherche sur les notions de discours m’interpelle beaucoup. Mes architectures sonores questionnent la grammaire de l’organisation sonique et les éléments constituant les possibles discours de l’audible. Elles cherchent à explorer davantage de nouvelles rhétoriques par le biais d’interdisciplinarités médiatiques conceptuelles de nature audiovisuelle (cinéma), littéraire (Nouveau roman, Oulipo, rhétorique), artistique (arts visuels, architecture) ou scientifiques (sciences naturelles entre autres). À cet effet, j’ai déposé en 2012 une thèse (Du langage cinématographique à la musique acousmatique: écritures et structures) portant sur les arrimages possibles entre la grammaire cinématique et la musique audionumérique. 

Programme

Honey (Architectures From Silence No. 1) (2021) 17’27" – création

À MH et Lili…

La nature même du miel est pour moi un modèle naturel inspirant, dans la vie et particulièrement quant à la réalisation de cette œuvre. Le miel est le fruit d’une longue transformation. Au lieu d’être sécrété spontanément, il est issu d’un long processus de métamorphoses qui débute par des matières quasi volatiles (pollen, nectar) évoluant ainsi dans un processus de densification continu pour aboutir à une texture riche, dense, et ce, jusqu’à la cristallisation. L’abeille recueille, unifie, transfigure et transfuse: elle permet le passage du pollen au miel, c’est-à-dire qu’elle fait d’une poudre, d’une dispersion sans ordre, un liquide structuré et unifié. Le symbolisme du miel est associé à la transformation et à la synthèse. Le miel représente également une période de récolte et d’abondance.

Honey (Architectures From Silence No. 1) propose une architecture sonore ayant donc comme trame de fond:

·     la transformation et la métamorphose des matières vers la densification et la transfiguration;

·     la richesse matériologique et l’abondance associées à une période de récolte;

·     la profondeur de la rétrospection et ses possibilités temporelles et musicales qui récapitulent le chemin accompli jusqu’à la période de moisson; et

·     la poésie reliée aux transformations invisibles, à la reconnaissance, au plus grand que soi.

J’accorde également, en relation avec ces thématiques explorées dans Honey (Architectures From Silence No. 1), un souci sonore particulier à l’évolution architecturale et formelle de l’œuvre grâce à une approche plus structurelle du montage mettant particulièrement l’accent sur une certaine non-linéarité et fragmentation entre les grandes unités et leurs sous-unités de l’œuvre tout en recherchant une cohésion locale (gestes, phrasés, techniques et procédés de liaisons, principe de cause à effet) et holistique (l’œuvre dans son entièreté). L’œuvre emprunte un parcours polyphonique aux lignes constamment interrompues où la discursivité est animée par les notions de parenthèses, de parenthèses dans la parenthèse, de ruptures et de mise en abyme, ce qui laisse supposer un départ rhizomatique quelque peu déroutant principalement dans la première partie de l’œuvre. Par contre, au fil des énonciations, un développement exponentiel émerge en poussant à terme le discours propre à chacune des voix qui furent présentées lors de ces multiples apparitions antérieures.

Réalisé avec l'aide du Conseil des Arts de Longueuil.

Martina Lussi

Martina Lussi (1987*) crée des compositions musicales, présente des installations et se produit en direct dans divers contextes. Sa pratique artistique s'articule autour de l'acte d'écoute. Ses compositions incorporent des enregistrements de terrain, des sons synthétisés et de la voix. Elle utilise une grande variété de matériaux et crée de vastes paysages sonores. Son dernier album "Balance" est sorti numériquement le 3 septembre 2021 et sur vinyle en mai 2022 par Präsens Editionen. Elle est titulaire d'un Master of Arts in Contemporary Arts Practice et vit et travaille à Lucerne, en Suisse.

Site web

Programme

Akousma Mashup (2022) 17’30" – création

Martina Lussi a choisi de nous offrir un mixage exclusif, réalisé en direct, de trois de ses œuvres : des extraits de son album « Balance » (Präsens Editionen , 2021), des enregistrements de terrain (Birdsongs) et la trame d’une installation sonore (The Listener). Un mashup qui montre bien l’étendue des pratiques de l’artiste.

Nicolas Bernier

Le travail de Nicolas Bernier est ancré dans le sonore. Au centre de ses recherches se trouvent plus spécifiquement des questionnements sur la performativité du son électronique, un travail nourri par le dialogue avec les arts visuels, la danse, la littérature, la photographie, l’image en mouvement, le design et le théâtre. Au sein de cet éclectisme demeure une constante : la recherche d’un équilibre entre cérébralité et sensualité ainsi qu’entre matières organiques et traitements numériques. Son travail s’est mérité un Golden Nica au Prix Ars Electronica 2013 (OEuvre), l’une des plus hautes distinctions dans le monde des arts numériques. Ses créations captent l’intérêt d’événements majeurs tel que SONAR (OEuvre), Mutek (Canada), DotMov Festival (Japon), ZKM (OEuvre), Transmediale (OEuvre) et est disponible sur plusieurs étiquettes de disques telles que LINE (É.-U.), leerraum (Suisse) et OEuvre (OEuvre). Il détient un doctorat de la University of Huddersfield (R.U.) et est professeur au secteur des musiques numériques de l’Université de Montréal. Il est membre de Perte de signal, CIRMMT et Hexagram, centres de recherche en arts numériques.

Programme 

Aluminium (2022) 9’30" – création

L’artiste sonore Mo H. Zareei a créé un instrument nommé Material Sequencer : un séquenceur électromécanique à 8 pas dans lequel un solénoïde frappe un bloc de matière physique pour générer différents patrons rythmiques. Zareei a invité quelques artistes à composer une nouvelle œuvre avec le dispositif, mon bloc de matière étant l’aluminium.

J’ai utilisé le séquenceur pour déclencher des signaux de contrôle d’un synthétiseur Moog Mother-32 couplé à des pédales d’effet. Bien que le résultat final soit une pièce fixée sur support, la pièce est essentiellement interprétée en direct par la superposition de 3 improvisations. Derrière les nappes synthétiques se cache le son acoustique des percussions généré par le séquenceur, soulignant son importance dans le déclenchement des événements.

La structure est composée de deux parties antagoniste : un premier mouvement énergique avec de courts paramètres d'attaque et un second mouvement avec des enveloppes amples.

Lea Bertucci

Lea Bertucci is an experimental musician, composer and performer whose work describes relationships between acoustic phenomena and biological resonance. In addition to her longstanding practice with woodwind instruments, her work incorporates spatialized speaker arrays, radical methods of free improvisation and creative misuses of audio technology. In recent years, her projects have expanded toward site-specific and spatially aware projects that initiate new access points to architecture. Her approach to music is marked by dense masses of sustained dissonance and a fascination with the sonic substance of common experience.Her discography spans over a decade, with eight full-length solo albums and a number of collaborative projects. In 2018 and 2019, she released solo albums Metal Aether and Resonant Field on NNA Tapes, and has since gone on to found her own label, Cibachrome Editions, with 2021’s A Visible Length of Light as the inaugural release followed by 2022’s Murmurations, a duo with Ben Vida.   

Programme

You and I Are Earth, the Waves Crash Within Us (2022) 20’

Une pièce pour voix, bandes magnétiques, flûte et électronique. Commande du GRM créée à Paris le 17 avril 2022 dans la cadre de la 17e édition du festival Présences électronique.

Alain Thibault

Les musiques de Alain Thibault ont été présentées sur les scènes locale et internationale dans plusieurs contextes, notamment dans des manifestations de musique contemporaine et d’art numérique en Amérique du Nord, en Europe et en Asie. En tant que commissaire et directeur artistique dans les domaines de l’art contemporain numérique, de la musique électronique et de l’art sonore, Alain Thibault est également le fondateur de deux événements majeurs à Montréal :  ELEKTRA, activité présentant des performances en art numérique depuis 1999, et la BIAN, Biennale internationale d’art numérique, orientée vers les expositions, les installations et l’art public depuis 2012. 

Programme

Cinq Nôs ultramodernes (2022) 15’ – Pilote

C’est en relisant les Cinq Nôs modernes de Yukio Mishima que m’est venu l’idée de créer ces Cinq Nôs ultramodernes. S’est alors imposé comme étant « ultramoderne » l’exploration spatiale, associant notamment la lenteur caractéristique du déploiement narratif du théâtre japonais Nô aux déplacements des astronautes dans l’espace. Cette première pièce, un pilote en quelque sorte, prend comme point de départ l’arrivée sur la lune de Neil Amstrong et de Buzz Aldrin lors de la mission Apollo 11. La composition se caractérise par l’utilisation de ces bips sonores, annonçant et fermant les communications du centre de commande de Houston. Ces Quindar Tones, d’une durée de 250 millisecondes, avaient des fréquences respectives de 2525 Hz lorsqu’on pressait le bouton en intro et de 2475 Hz lorsqu’on le relâchait, indiquant ainsi la fin de la transmission. En reprenant des extraits des transcriptions de cette première mission sur la lune, dites par des voix de synthèse, le résultat global se veut à la fois narratif et abstrait, avec une qualité quelque peu surnaturelle, autre caractéristique du Nô.

Pauline Patie

Pauline Patie est une compositrice française de musique électroacoustique. Basée à Montréal, elle étudie en maîtrise en composition et création sonore dans le département de musique numérique de l'Université de Montréal. Son travail a été récompensé par le prix Marcelle-Deschênes 2021 (Université de Montréal), et a reçu les mentions d'honneur au concours international de musique électroacoustique de MusicaNova (Prague) et de la Fondation Destellos (Argentine). Intéressée par l'effet de transe, ses créations explorent l'association de l'inconfort et de l'apaisement pour l'auditeur. Elle interroge ainsi la mystérieuse réactivité du corps à l'immersion et sa causalité.

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Programme 

Cent sens [A/V] (2022) 15’ – création

Depuis l’enfance nous sommes influencés par des codes visuels et sonores qui participent aujourd’hui à notre manière de percevoir le monde. Dans cette performance j’ai donc cherché à explorer ma subjectivité dans l’élaboration d’un discours expressif de formes et de sons abstraits.