Concours de composition JTTP 2024

Le concours Jeu de temps / Times Play de Communauté électroacoustique canadienne (CEC) met en valeur de nouvelles œuvres électroacoustiques produites par des compositeurs, compositrices et artistes sonores, jeunes ou émergent.e.s, du ou vivant au Canada.

Mikael Meunier-Bisson (ca)

Mikael Meunier-Bisson est un compositeur de musique expérimentale et électroacoustique montréalais. Ce n’est qu’aux alentours de 2020 que son attention se pose sur la composition de musique ambiante et de texture. Cette pratique autodidacte s’est rapidement complexifiée grâce aux dernières années de flirt avec les techniques acousmatiques. Son travail récent cherche à se sortir de la “localité” de l’ambient en travaillant le “global”, à explorer la tonicité sur un mode abstrait, pour ultimement rejoindre les affects, le ressenti, par des combinaisons de méthodes qui nous sont encore peut-être inconnues. Il poursuit depuis 2023 des études au baccalauréat en Musiques Numériques à l’Université de Montréal. Sa pièce “musicfriend” fut composée sous la direction de Martin Bédard à l’hiver 2024.

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Programme

musicfriend (2024) 8’00”

Faisant l’objet de rencontres franches entre plusieurs tableaux, musicfriend est l’aboutissement de multiples réorganisations. Teintée d’une matériologie suggestive, à fort accent, la rhétorique de ce projet est parsemée de doutes, d’essais, d’erreurs, dans un va et vient continu entre le référentiel, l’onirique et le ludique.

Crédit : Aidan Potter

Vivian Li (cn/ca)

Vivian Li est une artiste interdisciplinaire basée à Tiohtià:ke/Montréal, travaillant principalement dans le domaine du son et de la musique. Animée par une fascination pour les propriétés thérapeutiques et temporelles du son, sa musique combine des mélodies hypnotiques, des ambiances synthétiques apaisantes, des enregistrements de terrain autobiographiques et des textures bruiteuses pour explorer des moments d'introspection et d'intimité.

Elle a joué et présenté son travail dans des lieux et festivals nationaux et internationaux, tels que MUTEK (Montréal), Pique (Ottawa), Sound Art Lab (Struer), Inkonst (Malmö), Eastern Bloc (Montréal), perte de signal (Montréal), Kwia (Berlin), Fondation Phi x Nuit Blanche (Montréal), Hectolitre (Bruxelles) et Karachi Biennale.

Depuis 2021, Vivian anime une émission de radio mensuelle - Lo Signal - sur la station de radio communautaire de Montréal CKUT 90.3fm. Ce créneau de deux heures sert de terrain de jeu sonore où elle partage ses fragments ambiants, enregistrements de terrain, drones, montages expérimentaux et journal audio.


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Programme

Memory Playback (2024) 7’00”

Cette pièce explore le potentiel du son à préserver et ressusciter les souvenirs. Profondément autobiographiques, la plupart des enregistrements proviennent du parcours personnel de la compositrice. Dans ce paysage auditif, des fragments d'intimité et de souvenirs refont surface, de manière distordue, presque distante, oscillant à la limite de la désintégration totale. Alors que ces bribes du passé se superposent, elles créent de nouvelles images et sensations, transcendant en « hyper souvenirs » (Maria Chávez, 2020).

Lauréate du Concours de Composition Acousmatique petites formes 2024.

Crédit : Aidan McMahon

Byron Westbrook (us)

Byron Westbrook, arrivé sur la scène musicale expérimentale new-yorkaise au cours de la dernière décennie et désormais basé à Los Angeles, tisse des tapisseries sonores complexes qui relient les mondes de l’art sonore, de l’installation, de la musique électronique d’avant-garde et de la synthèse.

Westbrook crée des compositions sculpturales et immersives. Ses albums, très acclamés, ont été publiés sur des labels comme Root Strata, Hands In The Dark, Umor Rex et Ash International, et il a présenté son travail au Walker Art Center, à l’ICA de Londres, au MOCA de Los Angeles, au MoMA PS1, au MaerzMusik et aux festivals Rewire, entre autres. Son dernier album, Translucents, a été publié par Shelter Press en 2024.

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Programme

Translucents (Remix) (2024) 20’00’’

Inspirée des panneaux de couleurs du peintre abstrait Blinky Palermo, Translucents explore le concept de «l’image sonore rémanente». L’œuvre présente une série de scènes sonores, avec l’intention de s’imprimer dans l’esprit de l’auditeur afin d’influencer la façon dont chaque scène consécutive apparaît. Elle expérimente une dynamique entre la perception de la présence dans l’espace où l’on écoute et la perception d’un espace ou d’un lieu extérieur. Il s’agit d’un jeu avec la mémoire, avec la présence et avec le temps. Translucents est présentée ici sous une forme « Remix » différente de sa version publiée, en exclusivité pour Akousma.

Crédit : Élise Durant

Pierce Warnecke (us/fr)

Pierce Warnecke travaille à la fois dans les domaines sonores et visuels. Ses projets, à la frontière entre la musique expérimentale, les arts numériques et la vidéo, sont influencés par les effets du temps sur la matière et les limites de l'expérience sensorielle.  Il présente son travail sous forme de performances, de concerts et d'installations à Rewire, CTM, Elektra, Mutek, ZKM, etc. Il est co-commissaire du label et du festival Emitter Micro (Berlin) et du Signal Festival (Drome). Sa musique a été publiée sur Raster (DE), Room40 (AU) et Contour Editions (US), et il est représenté par l'agence DISK à Berlin.

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Programme

Sonopeutic Smooth Sailing (2024) 12’20”

Sonopeutic Smooth Sailing, sorti sur Raster, est une refléxion semi-sérieuse sur le développement personnel à travers des paysages sonores concrets, chaotiques et imprévisibles. Pour Akousma, une version multicanal condensée de l'album est proposée.

La musique ici est hautement traitée. Elle démarre avec une palette de sons électroniques simples et reconnaissables (808/909, synthétiseur modulaire simple et patchs max génératifs), mais qui est ensuite improvisée, éditée et découpée autant que possible, pour proposer une musique qui, avec un peu de chance, fausserait toute base de données sonore IA dans laquelle elle pourrait avoir le malheur de tomber.

Cet album devrait être écouté comme une sorte de programme de 'self-help' sonore raté qui aurait pu permettre à l’auditeur de s'entraîner à approfondir sa patience et son attention grâce au pouvoir du son extrême.

Ana Dall’Ara-Majek (fr/ca)

Ana Dall’Ara-Majek est une compositrice et artiste sonore vivant à Montréal. Elle s’intéresse à l’interaction des pensées instrumentale, électroacoustique et informatique dans la composition musicale. Ses thématiques préférées sont les micro-organismes et les paysages abstraits-concrets. Elle est active dans les domaines de la composition électroacoustique/mixte et la performance de musique électronique en temps réel. Elle joue régulièrement comme Théréministe dans l’ensemble ILÉA et le duo blablaTrains. Ses disques ont été publiés chez Kohlenstoff Records et Empreintes DIGITALes, et ses partitions chez Babel Scores et aux éditions Henri Lemoine.

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Programme

Mare Buchlae (2023) 11’53”

Entrée en matière du cycle 'Radiolaria', cette pièce propose une plongée où nous passons du monde des humains à celui des organismes sous-marins. Il s'agit d'une exposition qui fait entendre toutes les familles de sons représentant les espèces peuplant le plancton, et qui seront explorées tout au long du cycle. Le défi était de recréer un environnement sous-marin uniquement avec des sons de synthèse, en passant progressivement de prises de son de l’océan vers un paysage entièrement composé avec les sons du synthétiseur modulaire Buchla 200.

Estelle Schorpp (fr/ca)

Estelle Schorpp est une artiste sonore, compositrice et chercheuse française basée à Montréal, active dans le domaine de la musique expérimentale et de l'écologie sonore.

Elle utilise les outils et les méthodes de la recherche-création pour mettre en place des projets qui posent un regard critique et créatif sur notre relation avec l'environnement sonore. Intégrant des concepts issus de disciplines telles que l'écologie sonore, les sound studies, la théorie des médias, l'histoire des sciences, l'acoustique et la psychoacoustique, son approche polymorphe combine la performance, l'installation sonore et la composition algorithmique, ainsi que la communication académique et la rédaction d'articles scientifiques.

Ses paysages sonores immersifs et en constante évolution, caractérisés par leurs sonorités brillantes et l'utilisation d'enregistrements de terrain, offrent une expérience à la fois physique et intellectuelle où l'écoute est centrale.

Depuis 2022, elle enseigne à la Faculté de musique de l'Université de Montréal (CA).

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Programme

A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine (2023) 20’00

Grâce à l'utilisation d'archives d'enregistrements d'oiseaux datant des années 1930, cette performance explore les relations historiques et sonores entre les oiseaux, les humains et les technologies de reproduction sonore. À la fin du XIXe siècle, Eldridge Johnson, directeur de Victor Records, disait du phonographe qu'il « sonnait comme un perroquet partiellement éduqué avec un mal de gorge et un rhume de tête » (Johnson, cité dans Recorded Music in American Life, de William Kenney). C'est ce même phonographe que Ludwig Koch a utilisé en 1889 pour réaliser le premier enregistrement d'un shama à croupion blanc dans un zoo de Francfort. De cette comparaison est née l'idée d'établir un dialogue créatif entre les technologies de reproduction du son (anciennes et nouvelles) et les chants d'oiseaux.

La performance recontextualise l'histoire des enregistrements de chants d'oiseaux en mêlant archives documentaires, disques shellac, gramophone et technologies algorithmiques interactives contemporaines. Le projet met l'accent sur un va-et-vient dynamique entre plusieurs types de discours (documentaires et fictifs), de technologies (ordinateur et gramophone), de gestes et de sons (chants d'oiseaux et artefacts technologiques). Ce faisant, A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine propose une expérience sonore immersive dans laquelle les oiseaux, les machines et les humains font de la musique ensemble.

Frédéric Janelle (ca)

Né à Sherbrooke en 1981, Frédéric déménage à Montréal en 1999 pour y étudier la composition musicale assistée par ordinateur. Il débute ensuite une carrière en sonorisation et, de 2006 à 2009, étudie la composition électroacoustique au Conservatoire de Musique de Montréal. Il puise son inspiration dans la technologie et sa vision du futur.


Programme 

L’Oracle (2024) 8’41”

Les visions de l’Oracle.

Crédit  : Frédéric Janelle

Monique Jean (ca)

Je suis toujours à la recherche d’une matière sonore prégnante, rêche et énergétique, dans l’idée que la matérialité des sons donne accès à la sensation, et génère à la fois du sensible et du sensé.

Plus précisément, mes recherches impliquent la spatialisation sur dôme de haut-parleurs, les métamorphoses continues du flux sonore ainsi que l’imprévisibilité et l’imperfection dont le vivant a le secret et que je retrouve dans l’improvisation sur mon dispositif no-input du projet Miss Take.

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Programme

Tumultes 15’ (2024)

Malgré les barrages, murs, censures et autres verticalités qui découpent l’horizon du quotidien, persister à demeurer à l’écoute en tentant de se frayer un chemin jusqu’à toi - ici ou ailleurs, dans le près ou le lointain.

Inspirées des œuvres de d’Adania Shibli (Un détail mineur) et d’Antoine Wauters (Mahmoud ou la montée des eaux).

Réalisé avec le soutien du programme Recherche et exploration de PRIM et du CAC.

Horacio Vaggione (ar/fr)

Horacio Vaggione (Argentine, 1943), vit à Paris depuis 1978. Etudes de composition à l'Université Nationale de Cordoba, puis doctorat en musicologie à l'Université de Paris VIII. Études d'informatique musicale à l'Université de l'Illinois (1966). Co-fondateur du Centre de Musique Expérimentale de l'Université de Cordoba (1965-68), membre du groupe de musique électronique ALEA de Madrid (1969-73), il a travaillé en France à l'IRCAM, à l'INA-GRM, au GMEB. Résident à Berlin (DAAD, 1987-1988). Entre 1989 et 2012 il a été professeur titulaire (composition et recherche) à l'université de Paris VIII, où il est actuellement professeur émérite.

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Programme *

Gymell I (2003) 9’20 suivi de Gymell III (2024) 16’00

On peut penser le principe actif (corpusculaire) de ces Gymel en s’inspirant des mots de Bachelard (1932) : «Le corpuscule n’a plus de réalité que la composition qui le fait apparaitre».

Et encore : «Autant dire que l’existence du corpuscule a une racine dans tout l’espace».

Ceci explique non seulement l’irréalité du corpuscule — s’il n’est pas habité par la composition — mais aussi la réalité de l’espace où il apparait en tant que continuité.
Quant aux oeuvres : Gymel I a été produit en 2003 au studio du CICM, Université de Paris VIII. Il a engendré par la suite plusieurs avatars, dontGymel III, créé récemment, en 2024, à l'ICST (University of the Arts) de Zürich.

Les deux Gymel réunies ici sont donnés en création canadienne.

* Pour des raisons hors de notre contrôle, les œuvres seront spatialisées par le compositeur et directeur artistique du festival, Louis Dufort. L’équipe du festival souhaite un prompt rétablissement à M. Vaggione. 🫶

Florence-Delphine Roux (ca)

Florence-Delphine Roux est une artiste numérique et sonore originaire de la ville de Québec et basée à Tiohtà:ke/Montréal. Son travail explore l’intersection entre l’art, la science et la technologie, avec une orientation vers le médium radiophonique. Ses créations se manifestent sous forme d’expériences d’écoute, d’installations sonores immersives, de performances, de vidéos d’art et d’œuvres radiophoniques.

Porté par une pratique liée au son, qui trouve en particulier sa source dans une matière emmagasinée à partir d’enregistrements effectués en grande partie en extérieur, la travail de Florence-Delphine Roux tient pour beaucoup d’une réflexion basée sur la possibilité de jouer avec des textures non perceptibles de manière rétinienne, des champs électromagnétiques notamment, participant ainsi d’une perturbation du réel.

Avec la volonté de développer une pratique de la fiction, l’artiste investit également le champ de la production radiophonique, avec comme ambition l’élaboration d'un « cinéma pour l’oreille ». “

Texte Frédéric Bonnet

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Programme

Cime (2024) 11’00

Cime propose une ascension disruptive dans le paysage sonore de l’un des sommets les plus mystérieux du Québec, le Mont-Saint-Hilaire. Inscrit dans l’imaginaire collectif des habitants de la Montérégie, ce mont a inspiré un grand nombre de légendes, dont les mythes perdurent, nourris par de nouvelles croyances liées au paranormal. L’artiste naviguera entre captation de paysage sonore ambiphonique, très basse fréquence radio naturelle, et synthèse analogique et granulaire.

Cette œuvre puise dans des archives phonographiques réalisées dans le cadre d’un projet de recherche performatif sur la littératie extrasensorielle et l’écoute disruptive du territoire de la Réserve Naturelle Gault.

                           

Shane Turner (ca)

Shane Turner fait usage des propriétés fluides de l'art acousmatique afin de créer des expériences qui vont à l’encontre de l'essentialisme. Sa pratique comprend des compositions individuelles et collectives, des bandes sonores, des œuvres de nature installative ainsi que des performances électroniques en direct. Son travail a été diffusé par le netlabel Panospria sous Notype, par la CEC et a été présenté dans divers festivals, dont Mutek. Turner a étudié la composition musicale électroacoustique à l’Université Concordia.

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Programme

rumors, approximated (2024) 10’00

rumors, approximated est une exploration de la synthèse sonore, du chant (Simone Pitot/Delorca) et d'un modèle conjuguant les deux.

Cartographier la discordance sensorielle : dissolution et resynthèse perpétuelle des sens, événements vécus lors du passage entre régimes sensoriels contradictoires au cours d'une année particulièrement dynamique. Des écosystèmes d'information complets alimentés par des algorithmes privés, reflétant et modelant leurs sensoriums permissibles, sont entrés en collision frontale, pendant que des schismes culturels surgissaient sur les assises de formes d’expressions anciennes et inédites.

Marie Anne (ca)

Marie Anne (elle) est une compositrice et claviériste basée à Montréal. Sa pratique se concentre sur la performance électroacoustique, l'installation sonore et l’utilisation du journal sonore comme méthode compositionnelle. En parallèle, elle s’intéresse à la médiation de la musique électroacoustique. Avec le soutien financier de l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM) et de l’Observatoire des médiations culturelles (OMEC), elle est actuellement à la maîtrise en création sonore à l’Université de Montréal. Sa performance Éphémérides a reçu le prix Martin-Gotfrit-Martin-Bartlett dans le cadre du concours Jeu de temps/Times play (JTTP) en 2021. 

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Programme

Solace (2023) 20’00”

Solace : terme anglais signifiant une source de réconfort, d’apaisement, l’action d’aller vers cet état.

Cette performance tente de trouver un chemin vers le solace, autant pour la musicienne que pour le public. La personne sur scène fait entendre les multiples sons de son univers intérieur en recréant en temps réel ses paysages sonores internes.

Cette oeuvre a été composée dans le but d’être jouée auprès des publics en maison de retraite en collaboration avec l’OBNL Cosimu.

Atte Elias Kantonen (fi)

Atte Elias Kantonen est un concepteur sonore et compositeur basé à Helsinki qui travaille dans les domaines de la musique expérimentale et des arts du spectacle.

Dans sa pratique, Kantonen explore le potentiel de la synthèse élastique et du son traité à l’extrême comme vecteurs d'une narration abstraite et fantasmagorique. En construisant des dioramas émotionnellement sonores, il crée des compositions où la sérénité et la discordance se superposent constamment. Il a publié des œuvres sur des labels tels que SODA GONG, kappa et SUPERPANG.

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Programme

a path with a name [a reimagined reprise] (2024) 18’00

a path with a name (a reimagined reprise) est une composition basée sur les intrigues sonores de l'album "a path with a name" (SODA GONG, 2023).

La composition poursuit la quête de l'album : dessiner des chemins qui zigzaguent à travers l'herbe numérique, les flaques de rosée synthétiques et les nuages de brume sonore.

Ludwig Berger (de)

Ludwig Berger est  musicien, commissaire et artiste du paysage sonore. Dans ses compositions, installations et performances, il permet des rencontres sonores avec des plantes, des animaux, des bâtiments ou des entités géologiques. Il est diplômé en composition électroacoustique, ainsi qu’en musicologie, en histoire de l’art et en littérature. En tant que chercheur et enseignant à l’Institut d’architecture paysagère de l’ETH Zurich, il a étudié la dimension sonore des glaciers alpins et des infrastructures hydrauliques. Son travail a été présenté au GRM Paris, à Ars Electronica et à la Biennale de Venise. Il s’est récemment installé à Montréal après avoir vécu à Zurich et à Milan.

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Programme

Garden of Ediacara (2024) 20’00

L’éco-fiction musicale Garden of Ediacara dévoile un écosystème spéculatif à travers des voix synthétisées, des instruments de modélisation physique et des enregistrements microscopiques sur le terrain. Imprégné de techniques narratives issues de la science-fiction et de la fantasy, Ludwig Berger entremêle l’écriture mélodique et la conception sonore électroacoustique. Le projet fait allusion à la période géologique d’Ediacara, il y a 600 millions d’années, un écosystème sous-marin paisible habité par des créatures à corps mou, sans yeux ni os, qui ont été complètement anéanties par l’apparition d’une nouvelle espèce. Garden of Ediacara (sorti sous forme d’album sur -OUS) célèbre à la fois les plaisirs de la biodiversité et le deuil de sa perte inévitable.

Julien Racine (ca)

Le compositeur, ingénieur du son et producteur montréalais Julien Racine, connu sous le nom de Racine, a fait paraître cinq albums, dont le plus récent, Boue, est sorti en mars 2024 sous le label tchèque Gin & Platonic. Quelque chose tombe, lancé en 2020 sur Danse noire, a été largement salué par les médias internationaux, lui donnant l'opportunité de se produire sur scène lors d'une tournée européenne au printemps 2020, ainsi qu’à MUTEK Montréal. Tout au long de sa carrière, Racine a également composé des musiques et créé des ambiances sonores pour plusieurs films qui ont été diffusés dans de nombreux cinémas, festivals et galeries. Il fait partie du duo Corporation avec Keru Not Ever et, ensemble, ils animent l'émission Scène sur la plateforme HKCR. Ils ont également publié l'album “Graffito” sous le label tchèque Genot Centre.

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Programme

Hamelin (2023-2024) 20’00

Dans le village de Hamelin, un mystérieux joueur de flûte s’essouffle à travers le tumulte malheureux d’un quotidien de misère, ravagé par la peste bubonique. Sa musique débarrasse le village désespéré de ses nuisibles. Or, les villageois refusant de le récompenser, le joueur de flûte joua à nouveau. Cette fois-ci, ce ne furent pas les rats, mais tous les enfants du village qui le suivirent hors des murs, disparaissant à jamais.

Dans cette pièce futuro-médiévale, Racine crée une bande sonore anachronique se situant entre l’électroacoustique, le noise, et la musique de film. La pièce a commencé à prendre forme en 2023 et continue d'évoluer depuis lors.

Olivier Alary (fr/ca)

Olivier Alary, né en France et basé à Montréal, est un compositeur connu pour son vaste répertoire incluant des albums, des bandes sonores de films, de la musique pour la danse et des installations d’art contemporain. Formé en architecture, arts sonores et composition instrumentale, Olivier mêle des éléments acoustiques et électroniques afin d’explorer les frontières entre la musique expérimentale, populaire et contemporaine. Influencées par le noise, la musique baroque et le post-minimalisme, ses compositions entrelacent de façon complexe divers approches sonores. Depuis une vingtaine d’année, il a collaboré notamment avec Björk, Nick Knight, Cat Power et Doug Aitken. Ses œuvres sont sorties sur les labels tels que Rephlex, Fatcat Records, 130701 et LINE. Depuis 2007, il a aussi créé la musique d’une cinquantaine de films, remportant de nombreux prix, dont ceux des festivals de Venise, Sundance et Cannes.

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Programme

Présences imaginées (2024) 15’10

Que restera-t-il de notre époque après notre disparition? Une entité artificielle tente de se souvenir de notre existence.

Présences imaginées est la première œuvre d'une série de compositions qui cherchent à capturer l'empreinte sonore de notre civilisation contemporaine, telle qu'elle pourrait être perçue et reconstruite par une machine intelligente. L'intégralité du matériau sonore et musical de cette pièce a été générée par un réseau de neurones artificiels, puis composée comme une œuvre acousmatique classique, avec un minimum de traitements sonores afin de préserver la qualité unique des sons générés.

Felisha Ledesma (us/se)

Felisha Ledesma est une artiste sonore et musicienne actuellement basée à Malmö, en Suède. Une palette distinctement chaleureuse et organique imprègne le travail de Ledesma, chaque instant se déployant lentement dans une expérience auditive intime. Les inspirations du quotidien sont distillées dans des souvenirs sonores qui invitent à une écoute méditative et profonde.

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Programme

Uppender (2024) / 20’00

Uppender a été commandée pour Ina GRM Focus en 2024. Uppender a été créée en utilisant une version multicanal mise à jour de l'AMQR, un synthétiseur logiciel créé en collaboration avec Ess Mattisson.