Électrochoc

La série de concerts Électrochoc, proposée en codiffusion par le Conservatoire de musique de Montréal et Akousma,

met à l’affiche des concerts-dialogues qui présentent au public les différentes facettes de la musique électroacoustique ainsi que le talent et la créativité des élèves des classes de composition de Martin Bédard et de Louis Dufort, les deux codirecteurs artistiques de la série. La programmation des soirées Soundwich sera dévoilée plus tard. 

Saison 2024-2025
Bénédicte + gonima - 26 septembre 2024
Soundwich XIX - 7 novembre 2024
Charles Quevillon + Sawtooth  - 12 décembre 2024
Léa Boudreau + Simon Chioini - 23 janvier 2025
Soundwich XX - 20 février 2025
Stephanie Moore - 20 mars 2025

Bénédicte (Maxime Gordon)

Maxime Gordon est une artiste interdisciplinaire basée à Montréal, travaillant principalement dans le domaine du son et de la musique. Elle publie et compose de la musique électronique expérimentale sous le nom de Bénédicte depuis 2017. Sa musique mélange des synthétiseurs envoûtants, des paysages sonores déformés et des échantillons vocaux scintillants pour explorer des moments d'introspection et de sensation.

Elle a présenté son travail dans des lieux et des festivals en Amérique du Nord et en Europe, tels que MUTEK (Montréal), l'Institut du Son Spatial (Budapest), MONOM (Berlin), Eastern Bloc x Nuit Blanche (Montréal) et Glory Affairs x Punctum (Prague).

Son album le plus récent est le EP de 5 titres intitulé "When It Binds", sorti sur le label discographique Blueberry Records basé à New York en 2021. Elle travaille actuellement sur un nouvel album et organise des promenades sonores (soundwalk) à travers Montréal.

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Programme

Untitled (2024) 9’26 
Création

Halves, Shoals (2023) 15’50 

gonima (Evan Magoni)

gonima est le pseudonyme d'Evan Magoni (il/lui), un artiste audiovisuel basé à Montréal qui explore l'esthétique glitch, les rythmes complexes, les mélodies lumineuses et les atmosphères ambiantes. Il utilise l'édition audio de manière pointilliste ainsi que des processus musicaux génératifs pour créer des textures numériques détaillées, une tonalité éthérée et des arrangements musicaux de type collage, le tout avec une dimension émotionnelle.

Le projet Gonima a débuté en 2011 à Philadelphie et a depuis vu ses créations publiées par Satellite Era à Chicago, Sunset Waves à Austin, au Texas, Bullflat3.8 à Kyoto, au Japon, ainsi que par les labels montréalais ygrade et Ancient Robot, ainsi qu'à Munich, en Allemagne, chez Slam City Jams.

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Programme

Immaterial, Unbounded (2024) 10’
Creation

Homeostasis (2023) 15’40

Composée pour le Festival Akousma 19, cette pièce explore les thèmes de la transcendance. Des enregistrements de terrain et des éclats spectraux résonnent dans une ambiance feutrée et mélodique à travers l’utilisation de vocodeurs et de réverbération, créant des espaces synthétiques en haute définition. Des fragments aigus du monde matériel se fondent en ondes progressives avec des tonalités oniriques et éthérées.

Jules Bastin-Fontaine

Jules Bastin-Fontaine (né en 2000) est un compositeur et tubiste originaire de la ville de Québec et maintenant établi à Montréal. Au Conservatoire de musique de Montréal, il a obtenu sa maîtrise avec distinction en composition instrumentale en 2024 dans la classe de Maxime McKinley. Il complète maintenant, dans cette même institution, un diplôme de premier cycle universitaire en composition électroacoustique auprès de Louis Dufort et un stage de perfectionnement avec Maxime McKinley et Ofer Pelz.

Sa musique s’est vue décerner le prix « Relève VVA 2019 », remis par E27 Musiques nouvelles (pour Trio en hommage à Bruckner) et trois prix dans le cadre des « Concours de la Fondatio SOCAN pour les jeunes compositeurs ». Lors de l’Académie virtuelle de Orford 2020, son œuvre L’heure joyeuse a remporté le « Prix depermettant d’être joué lors de concerts de la tournée « Génération 2020 ». Sa pièce Compositio acousmatique I a remporté le 2e prix au concours JTTP 2023.

Il a entre autres été joué par l'Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), l'Ensemble Paramirabo, l’Ensemble MusiquAvenir, l'Orchestre symphonique du Conservatoire de musiqu de Montréal (OSCMM) sous la direction de Tania Miller et l'Orchestre de la francophonie dirigé par Simon Rivard. En 2024, il a fait une résidence de création avec la compositrice Lily Koslo à l’Akademie der Künste de Berlin.

Programme
Composition acousmatique III 

Composée au Conservatoire de musique de Montréal entre novembre 2023 et octobre 2024, Composition acousmatique III est une pièce octophonique proposant différents espaces sonores comme lieux de contrepoints d’une matière synthétique.

Audréanne Filion

Audréanne Filion est une violoncelliste, compositrice et improvisatrice montréalaise. Son travail se penche principalement sur les musiques de création, contemporaines et expérimentales. Elle a créé plusieurs œuvres de ses collègues de la scène canadienne incluant des pièces de Sarah Davachi, Takuto Fukuda, Keiko Devaux, Geneviève Ackerman, Jean Décarie, Simon Martin,Mike Maevsky, Yulin Yan et plusieurs autres. Elle est membre de l’Ensemble Tesse, de l’Ensemble Éclat, du Quatuor Mémoire et du duo Filion/Bourgault et se joint également en tant que pigiste à d'autres ensembles de chambre tels que Projection Libérantes, No Hay Banda, SuperMusique et Novarumori.

Audréanne a également un projet de performance solo dans lequel elle joint improvisation au violoncelle, composition électronique et traitement en tempsstyles, instrumental et électronique, ambiant et noise, classique et expérimental. Elle explore la microtonalité, les phénomènes sonores timbraux et texturaux tels que les battements, la distorsion, les larsen, et les mélanges entre sonorités acoustique et électronique.

Sa musique a été programmée à OK LÀ, Totem Électrique XV, Interzone Editions, EAF, à la 6e édition du concert du ViU, Midfield 02, lors du concert Masse 2022 de Codes d’accès et aux Jardins de Métis à Rimouski en 2022.

Également active sur la scène pop expérimentale, Audréanne se produit avec différents groupes, notamment Everly Lux et Xela Edna, et elle joue fréquemment avec des musiciens électroniques tels que YlangYlang, Jessica Moss, Kid Koala, Erika Angell et Myriam Bleau. Ses activités musicales lui ont permis de se produir au Canada, aux États-Unis, aux Émirats arabes unis, en France et en Allemagne. Formée au Conservatoire de Musique de Montréal, Audréanne détient un baccalauréat et un diplôme d’artiste en interprétation du violoncelle ainsi qu’un baccalauréat en composition électroacoustique.

Programme

Live pour violoncelle et électroniques

Cette performance explore l'intersection entre les techniques contemporaines du violoncelle et des textures électroniques immersives. En combinant mélodies dissonantes, sons bruts et granuleux du violoncelle avec des électroniques en direct et des retours contrôlés, un paysage sonore se dessine, où battements, bruit et micro-tons évoquent des états d'erranc et de tension. La performance navigue entre des moments d'intensité abrasive et de calme méditatif, abordant des thèmes de dualité, de saturation et d'équilibre fragile.

Gabriel Geneau

Gabriel Geneau est un artiste polyvalent qui élargit les horizons de l'expression artistique par le biais des outils modernes. En explorant les multiples possibilités de la synergie entre la musique et les visuels, il crée des œuvres esthétiques et percutantes, invitant le public à un voyage sensoriel captivant . Ses créations offrent une expérience où les sens se mêlent et se confondent.

Attentif à repousser constamment les limites de sa créativité, Gabriel Geneau explore avec passion de nouvelles avenues, embrassant l'innovation et la diversité dans son processus créatif. Il intègre la technologie tout en demeurant fidèle à l'essence même de l'expression artistique.

Programme
Ecdysis

« Ecdysis » se déploie comme un court métrage de danse expérimentale captivant, explorant le voyage nuancé de la libération. Le film capture la lutte subtile mais puissante d'un protagoniste, aboutissant finalement à un moment de libération profonde. Les connexions fluides entre une bande sonore qui persiste dans le domaine de l'hypersensibilité, des images symboliques et une conception d'éclairage dynamique rehaussent l'expérience sensorielle globale, plongeant le public dans le flux et le reflux de la lutte transformative du protagoniste.

Hans Martin

Hans Martin détient une maîtrise en composition du Conservatoire de musique de Montréal. Au cours de sa formation, il a notamment étudié auprès de Jimmie LeBlanc, Klaus Lang, Serge Provost et Michel Tétreault. Composant à la fois des œuvres instrumentales, électroacoustiques et mixtes, il s’intéresse à l’expérience du son en tant que phénomène acoustique. Ses recherches sont influencées par les formes musicales issues de la tradition algorithmique du Moyen Âge à aujourd’hui.

Les œuvres de Martin ont notamment été jouées par l’Ensemble de la SMCQ, les Petits Chanteurs du Mont-Royal, l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), l’Orchestre de la Francophonie, l’ensemble Hanatsu Miroir, l’Ensemble AKA, les étudiants de l’ensemble Klangforum Wien (PPCM), ainsi que plusieurs autres formations étudiantes telles que l’orchestre symphonique, l’orchestre à
cordes et l’ensemble de musique contemporaine du Conservatoire de musique de Montréal, ou encore l’ensemble EROC à l’Université de Montréal.

En tant que concepteur sonore, il a travaillé avec le metteur en scène Simon Boudreault et les étudiants du Conservatoire d’art dramatique de Montréal, puis avec le metteur en scène Charles Voyer et le Théâtre indépendant. Parallèlement à son travail de compositeur, Martin a aussi collaboré en tant qu’auteur à la revue Circuit, musiques
contemporaines.

Programme
Songe de Scipion

Le « Songe de Scipion », célèbre passage de l'œuvre De Republica de Cicéron, présente un dialogue fictif entre Scipion Émilien, un général romain, et son grand-père décédé, Scipion l'Africain. Dans cette conversation, l'ancêtre décrit la structure cosmique de l'univers et dévoile la nature immortelle de l'âme à son descendant.

Plusieurs auteurs, tels que Macrobe, Boèce et Pétrarque, ont commenté ce Songe de Scipion, considéré comme une sorte de pendant à la « légende d’Er » décrite par Platon dans le Xe livre de La République. Plus largement, l'idée pythagoricienne de l'harmonie des sphères, à l'origine de ces textes anciens, a laissé une empreinte sur la pensée musicale, cosmologique et mathématique tout au long de l'histoire occidentale.

Inspirée par ces idées, ma pièce se compose de neuf sections, chacune représentant symboliquement une planète du système solaire décrit par Cicéron. Chaque section a une durée d'une minute, suivant un mouvement général du terrestre au céleste.

Je tiens à exprimer ma gratitude à Jérémie de Pierre pour sa contribution aux sons de flûtes à bec utilisés dans cette pièce.

Charles Quevillon (ca)

Charles Quevillon est un compositeur canadien, résidant en Finlande. Diplômé du Conservatoire de Musique de Montréal, il a travaillé pendant 12 ans avec le chorégraphe Tedd Robinson sur 27 projets, présentés dans des festivals majeurs. Son approche multidisciplinaire l’a amené à collaborer avec des ensembles comme Defunensemble (FI) et Sound Initiative (FR), Kollektiv Totem (CH) et avec l’artiste visuelle Maija Tammi. Actuellement doctorant à l’Académie Sibelius, ses recherches portent sur l’usage symbolique des technologies électroniques en musique.

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Sawtooth Duo (Sarah Albu + Matti Pulkki)

Sawtooth est un duo éclectique voix-accordéon qui explore les liens entre la musique folklorique, la musique classique et le répertoire contemporain. Avec une passion pour les textures expérimentales, la collaboration interdisciplinaire et une profonde connexion à la narration, Sawtooth recherche des répertoires de chansons obscures, adapte des pièces de chambre écrites pour d'autres instruments et développe de nouvelles œuvres en collaboration avec des compositeurs.

Sarah Albu est chanteuse, compositrice et créatrice de performances, spécialisée dans la musique nouvelle/expérimentale, le répertoire du XXe siècle et l'improvisation libre. Basée à Montréal, Sarah est membre fondatrice du collectif vocal expérimental Phth et collabore fréquemment avec des artistes travaillant dans la vidéo, l'installation, la danse contemporaine, le textile et les médias numériques.

L'accordéoniste Matti Pulkki est un interprète actif et enthousiaste du répertoire contemporain et expérimental. Jouant souvent avec différents groupes de chambre et ensembles, Pulkki cherche à explorer et à étendre les possibilités techniques et acoustiques de son instrument dans la musique écrite de notre époque.

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Programme
Le Baptême du Haut-Parleur (2024) 62’00”
Opéra de chambre en 4 actes pour soprano, accordéon, Genelec 8020D, et électronique.

Musique de Charles Quevillon ; livret de Charles Quevillon, inspiré du poète finnois Eino Leino et du manuel d’instruction du Genelec 8020D. Révision par Maija Tammi.

Délivrance — Mémoires — Souffrance — Sublimation

Le Baptême du Haut-Parleur cherche à déconstruire la vision ordinaire du haut-parleur comme un simple objet utilitaire et à révéler ses significations archétypales et mystiques latentes. Par une approche à la fois ludique et sincère, cet opéra relie le cadre consumériste et technologique du haut-parleur au symbolisme religieux et spirituel. Par exemple, l’Acte I : Délivrance s’inspire du baptême moderne des objets technologiques : les vidéos de « unboxing » sur YouTube. Ainsi, cet opéra interroge la manière d’intégrer de façon significative un haut-parleur, avec toute son « âme » et ses facettes plus sombres, dans la vie spirituelle humaine.

Léa Boudreau

Léa Boudreau (née en 1993) est une artiste multidisciplinaire basée à Tiohtià:ke/Montréal qui travaille les circuits électroniques, le son et les lieux. Son travail questionne les relations inter-espèces en considérant les existences non-humaines (vie animale non-humaine, vie artificielle, le non-vivant, etc.) comme terrains de réflexion sur les hiérarchies qui divisent notre monde. Elle élabore ses œuvres suivant une approche DIY (do it yourself) dans un but de partage des connaissances et de critique de la société de consommation.

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Simon Chioini

 |Simon Chioini est artiste-chercheur et compositeur. Son travail de recherche-création intègre la composition sonore à une approche théorique interdisciplinaire. Il est actuellement étudiant au doctorat en composition et création sonore à l’Université de Montréal, où ses recherches explorent les relations entre le son, l’environnement et les dynamiques sociales. Inspiré principalement par la philosophie et l’anthropologie, son travail cherche à élargir la compréhension de la composition sonore à travers des perspectives écologiques et relationnelles. Dans le contexte de la crise climatique actuelle, la pratique de Chioini remet en question l’opposition traditionnelle entre nature et culture en explorant comment l’art sonore peut servir d’outil de médiation et de transformation de ces relations. Sa méthodologie combine la recherche théorique avec des pratiques créatives in situ, incorporant souvent des éléments performatifs et participatifs. En dehors du milieu académique, il poursuit ses projets de musique électronique et expérimentale sous le nom S. Chioini et avec le collectif Humidex.

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Programme


Bruit de front (création) 45’00

Bruit de front est une œuvre installative et performative in situ qui explore et s'adapte à l’endroit spécifique dans lequel elle est présentée. Elle examine les particularités matérielles, environnementales et sociales du lieu à l’aide de dispositifs DIY électroniques et sonores. Amplifiant et mettant en valeur une variété de bruits et sonorités souvent inaudible pour l'humain ou passant facilement inaperçu, le projet met de l'avant le caractère unique et vivant de chaque lieu par l'entremise d'une attention au détail et d'une écoute active.