Stephanie Moore

Stephanie Moore

La compositrice Stephanie Moore est aussi à l’aise dans l’univers de la musique instrumentale que dans celui de la musique électroacoustique, avec un intérêt particulier pour la « musique mixte », qui combine les deux. Depuis son arrivée à Montréal en 2009, sa palette créative s’est élargie pour inclure le son enregistré (instruments et objets du quotidien), le paysage sonore environnemental, les enregistrements échantillonnés et le son électronique, en plus des instruments occidentaux standards.

Elle a reçu des commandes de l’Ensemble Paramirabo, de New Adventures in Sound Art, du Cluster Festival + Plumes Ensemble, de l’Ensemble In Extensio et de Voces Boreales + Bradyworks, entre autres. Sa musique a été présentée au festival Sound Travels de New Adventures in Sound Art (Toronto), au New York City Electroacoustic Music Festival et au Cluster New Music and Integrated Arts Festival (Winnipeg). Stephanie a également composé et conçu des environnements sonores pour le théâtre, notamment pour I’m Not Here(SummerWorks Performance Festival à Toronto) et Zoom-Boom-Boom, une œuvre cocréée avec l’écrivain Alexis Diamond et commandée et coproduite par les Jeunesses Musicales du Canada. Cette dernière œuvre, un concert théâtral de 35 minutes initiant le très jeune public à la musique électroacoustique, a été présentée à la Place des Arts (Montréal), au Centre national des Arts (Ottawa) et à plusieurs reprises dans la région de Montréal de 2019 à 2023.

Au cours des dernières années, Stephanie s’est concentrée uniquement sur la composition de musique électroacoustique et la création d’un album concept de musique acousmatique de style pop, avec le soutien du Conseil des arts du Canada. Son travail avec Andrew Yankiwski de Precursor Productions, ingénieur du matriçage de l’album, remonte à 2017 et à une bourse de résidence Québec-Manitoba du Conseil des arts et des lettres du Québec. Il a été consultant sur l'album tout au long du processus de création et une fois la version stéréo finalisée, ils prévoient de créer un mixage audio immersif Dolby Atmos séparé de l'album à l'été 2025.

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Programme

Ce concert est un avant-goût de cinq pièces acousmatiques qui composent un album concept de style pop à paraître en 2025. Inspiré en partie par l’œuvre acousmatique phare de Bernard Parmegiani De Natura Sonorum (1975) et en partie par des techniques transposées de la cuisine d’avant-garde, ce projet a été créé avec le soutien du Conseil des arts du Canada.


1) Are You Ready? / Changing Texture and Function (16’)

Influencé par des effets de détournement comme celui du melon d’eau imitant le thon, de l’aigre devenant sucré ou du fromage transformé en mousse, ce morceau présente des textures musicales qui mutent de l’une à l’autre (par exemple, du métallique vers l’aérien) et des matériaux sonores qui transforment la fonction (la hauteur devenant rythme) en différentes couches de densité. Les sources sonores comprennent de nombreux instruments non musicaux, certains instruments de musique, un paysage sonore environnemental et de la synthèse.


2) WaiMoRightTheforMentting / Dematerializing (6’)

L’intégralité du matériel source de cette pièce est tirée de l’enregistrement d’archives de la lecture d’une pièce pour orchestre de chambre que j’ai composée il y a de nombreuses années : Waiting for the Right Moment (2008). Il s’agissait à l’origine d’une pièce pour quintette à cordes, et j’en ai créé un arrangement pour orchestre de chambre en 2009. Cet enregistrement était dans mes archives personnelles depuis quelques années, mûr pour être « dématérialisé », découpé, manipulé pour devenir quelque chose de nouveau. Je me suis inspiré de la procédure du chef avant-gardiste Homaro Cantu qui transforme les sushis en une image de sushi imprimée sur du papier comestible au goût de sushi… Je rêve qu’un jour, les deux versions (orchestrale et acousmatique) soient jouées en direct l’une après l’autre.


3) Replicating (12’)

La réplication vu comme un jeu d’imitation entre la gauche et la droite dans un champ sonore stéréo et aussi comme des traductions successives de la séquence sonore initiale liée à la nourriture (en utilisant, par exemple, des instruments de percussion, de synthèse et des instruments logiciels). Comme dans le jeu du téléphone, certaines caractéristiques ou significations originales peuvent se perdre en cours de route et la question de savoir à quel point nous restons près du point de départ peut être laissée à l’interprétation individuelle. À mon avis, nous nous retrouvons dans un endroit à la fois très similaire et très différent du point de départ…

Un exemple culinaire de réplication est le phénomène des « faux desserts » dans la Grande-Bretagne d’après-guerre : par exemple, un flan aux abricots répliqué en utilisant une garniture à la carotte et aux prunes avec une croûte de tarte à la purée de pommes de terre.


4) Reconfiguring (7’)

Cette pièce explore la tension entre une ligne continue et des interruptions, alors qu’un synthétiseur analogique soliste rivalise avec un premier plan fragmenté actif. Ce premier plan est constitué d’une panoplie de courts extraits d’un enregistrement d’archives de ma pièce pour orchestre de chambre Waiting for the Right Moment, qui sont progressivement traités et reconstitués à l’aide d’une collection hétérogène d’échantillons. Le chef Homaro Cantu parle de cuisine « note par note », qui utilise des composés purs au lieu de matériaux composites et cette façon de réutiliser et de reconfigurer mon matériel orchestral lui semble apparentée.


5) Simulating, Parties I et II (7’30’’)

Dans mon travail avec le son enregistré, j’ai toujours été attirée par ce que je considère comme des « sons similaires » : des enregistrements d’un son qui, à l’écoute, et sans savoir quelle était la source sonore originale, pourraient facilement passer pour autre chose. Par exemple, un morceau de papier amené vers et loin d’un ventilateur électrique, qui rappelle par son timbre et sa texture sonore le bruit d’un petit avion. La conception des bruitages au cinéma repose souvent sur ce type d’ambiguïté perceptive. En cuisine d'avant-garde, on peut penser à un « gâteau trompe-l’œil », par exemple un gâteau imitant un sac à main en cuir.

Cette pièce utilise une collection de sons enregistrés qui sont tous ambigus à mon oreille – sonnant à la fois comme ce qu'ils sont vraiment et comme quelque chose d'autre. J'ai monté ces sons pour raconter une histoire, en deux parties, en utilisant ces origines sonores imaginaires.