Akousma

Festival international des musiques numériques immersives





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Électrochoc

La série de concerts Électrochoc, proposée en codiffusion par le Conservatoire de musique de Montréal et Akousma,

met à l’affiche des concerts-dialogues qui présentent au public les différentes facettes de la musique électroacoustique ainsi que le talent et la créativité des élèves des classes de composition de Martin Bédard et de Louis Dufort, les deux codirecteurs artistiques de la série. La programmation des soirées Soundwich sera dévoilée plus tard. 


14 mars 2024
ÉLECTROCHOC No 4

Estelle Schorpp

Conférence 19h30 / Concert 20h
En codiffusion avec le Conservatoire de musique de Montréal

4750, Av. Henri-Juilien

Achat de billets


Estelle Schorpp est une artiste sonore, compositrice et chercheuse basée à Montréal. Elle est titulaire d’une maîtrise de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Elle est également diplômée de l’Université de Montréal, où elle a obtenu une maîtrise en création et composition sonore et rédigé une thèse intitulée Environnements sonores interactifs : une approche écosystémique, pour laquelle elle a exploré le potentiel des systèmes algorithmiques dans le cadre d’installations sonores interactives.

Elle utilise les outils et méthodes de recherche-création pour monter des projets qui portent un regard critique et créatif sur notre rapport à l'environnement sonore et médiatique. Intégrant des concepts issus de disciplines telles que les études sur le son, la théorie des médias, l'histoire des sciences, la philosophie, l'acoustique et la psychoacoustique. Son approche polymorphe allie performance, installation sonore et composition algorithmique, ainsi que communication académique et rédaction d'articles scientifiques.

Elle enseigne à la Faculté de musique de l'Université de Montréal (CA).

Son travail a été présenté dans des festivals tels que La Biennale di Venezia (IT), Ars Electronica (AT), MUTEK (MX, CA, AR, JP), Akousma (CA), FIMAV (CA), Le Mans Sonore (FR) , Exhibitronic (FR, DE), MuTeFest (FI) et dans des expositions collectives. Ses recherches ont été présentées lors de plusieurs colloques à l'ISEA22 (ES), au CIRMMT (CA), à l'Université de Montréal (CA) et à l'EHESS (FR). Elle a publié des articles en tant qu'auteur principal ou co-auteur dans Organized Sound, eContact! et dans la revue Cahier Louis Lumière. En 2016, elle reçoit le premier prix Exhibitronic pour sa composition électroacoustique Bagdad 9ème siècle. Elle est récipiendaire de plusieurs bourses de recherche-création.


Crédit: Laurence Bissonnette
Programme

Microscopic Dance (2018) 1’53
Composition électroacoustique

Microscopic Dance a été réalisée avec un diapason, un micro piezzo et le feedback d’une pédale de délai. C’est un court interlude minimaliste qui s’inspire de la pièce ‘Incidences/Résonances’ de Bernard Parmegiani, tiré de sa série De Natura Sonorum.

Maneki-Neko (2019) 5’00
Composition électroacoustique

Le Maneki Neko (le chat invitant) est un esprit de fortune et de bonheur dans la tradition japonaise. Dans Maneki-Neko, je joue avec différents motifs de rebonds, de suspensions et de rythmes ludiques. Ces motifs se succèdent rapidement et linéairement au début, pour évoluer vers une écriture plus fragmentée à la fin. Dans un univers artificiel et onirique, cette musique tente d'être aussi agile, joyeuse et moqueuse qu'un chat qui saute.

Maryanne inside my ears (2024) 35’00
Performance de musique algorithmique

Maryanne inside my ears est un hommage au travail de l'artiste sonore et compositrice américaine Maryanne Amacher. Plusieurs aspects du travail d’Amacher sont soulignés : un travail sur les dynamiques d'amplitude, une structure temporelle inspirée des promenades sonores, mais surtout ses explorations musicales des émissions otoacoustiques par produits de distorsion. Celles-ci sont des sons produits par l'oreille interne lorsqu'elle est stimulée par deux sons purs dont les fréquences sont proches l'une de l'autre, généralement entre 1000 Hz et 4000 Hz, à une certaine amplitude. En réponse, l'oreille interne produit des artefacts harmoniques, qui se traduisent par un effet de bourdonnement dans le conduit auditif. Jouant avec différentes échelles de perception, faisant résonner tantôt l'oreille interne, tantôt le corps, tantôt l'espace, la performance offre une expérience sonore très physique et sensationnelle.


Festival Akousma

19ᵉ édition : 18 > 20 octobre 2023 / Montréal


Pan M 360 en a parlé:

Entrevue avec Rocío Cano Valiño par Laurent Bellemare

Entrevue avec Tomoko Sauvage par Salima Bouaraour

Entrevue avec Aho Ssan par Alain Brunet

AKOUSMA, un 18 octobre - par Laurent Bellemare

AKOUSMA, un 19 octobre -  par Alain Brunet

AKOUSMA, un 20 octobre - par Salima Bouaraou





On vous donne rendez-vous pour l’édition 2023 du festival (Akousma 19), du 18 au 20 octobre prochain.

Abonnez-vous à notre infolettre pour ne rien manquer de la programmation 2023-2024 


L’année 2023 est celle du 75e anniversaire de la musique concrète, un événement que nous allons célébrer durant les Journées de la musique concrète, en prélude au festival (21 septembre > 13 octobre).

Le festival se poursuivra le 21 octobre avec le premier concert de notre Tournée du CAM, qui présente un programme double Line Katcho/blablaTrains, et le 22 octobre à Eastern Bloc avec le dernier concert de la mini-tounée de nos ami-e-s de Tempo Reale au Québec.


INFO BILLETTERIE


USINE C
BILLET POUR 1 SOIR (18, 19 ou 20 octobre)
  • PRÉVENTE 25,00 $ / 18,00$ (jusqu’au premier soir du festival)
  • RÉGULIER 30,00 $
  • ÉTUDIANT.E 20,00 $

PASSEPORT 3 SOIRS (18, 19 et 20 octobre)
  • PRÉVENTE 50,00 / 36,00$ (jusqu’au premier soir du festival)
  • RÉGULIER 60,00 $
  • ÉTUDIANT.E 40,00 $



18 octobre 2023

Soirée 1 - 
20h
Bloc_1



1345 Ave. Lalonde, Montréal, QC H2L 5A9

Achat de billets

1er prix du concours de composition JTTP 2023 


Le concours Jeu de temps / Times Play de Communauté électroacoustique canadienne (CEC) met en valeur de nouvelles œuvres électroacoustiques produites par des compositeurs, compositrices et artistes sonores, jeunes ou émergent.e.s, du ou vivant au Canada.

Julie Delisle (ca)


Julie Delisle est compositrice, chercheure multidisciplinaire spécialisée en technologies audio et flûtiste. Diplômée de la Hochschule für Musik Freiburg et du Conservatoire de musique de Montréal, titulaire d’un doctorat en musicologie (PhD) de l’Université de Montréal et ex-stagiaire postdoctorale au Music Perception et Cognition Laboratory (Université McGill). Sa musique est teintée par ses recherches sur le timbre instrumental et son intérêt pour le sound design, les arts martiaux chinois et les mathématiques.

Programme

Pipa Aura Suichi (2023) 11’03”

Pipa aura Suichi a été entièrement composée à partir de sons provenant de l’instrumentarium de Jean-François Laporte (Productions Totem Contemporain). Il m’est apparu que les matériaux choisis, grâce à leurs possibilités articulatoires, se comportaient souvent de manière à provoquer des réactions en chaîne. Les sons, pris en dehors de leur contexte instrumental dans une sorte de schizophonie, obéissent aussi à une temporalité particulière qui se déploie au fil des déclenchements, des attaques, des résonances et des propulsions, à la manière des machines incroyables de l’émission japonaise Pitagora Suichi.




Photo: La Conserve Média / Codes d’accès

Francis Dhomont (fr)


Ardent exégète de la modalité acousmatique, son oeuvre est, depuis 1963, exclusivement constituée de pièces sur support qui témoignent d’un intérêt constant pour une écriture morphologique et pour les ambiguïtés entre le son et l’image qu’il peut susciter.

Grand Prix Mega-Hertz 2013 (Allemagne), Docteur Honoris causa de l’Université de Montréal. Prix SACEM 2007 de la meilleure création contemporaine électroacoustique. Bourse de carrière du Conseil des arts et des lettres du Québec (2000).

De 1978 à 2004, il a partagé ses activités entre la France et le Québec, où il a enseigné à l’Université de Montréal de 1980 à 1996. Il vit aujourd’hui à Avignon (France) et se consacre à la composition et à la réflexion théorique.

Le premier concert de Réseaux des arts médiatiques (Akousma) a été donné le samedi 2 novembre 1991 à la Chapelle historique du Bon-Pasteur. C’était un concert de Francis Dhomont, qui célébrait alors ses 65 ans.

Ses œuvres chez electrocd

Programme

SOMME TOUTE (2022) 14’30”
spatialisation par Louis Dufort

À Annette Vande Gorne

Regard/écoute d’un parcours de plus de cinquante ans et de plus de quatre vingt dix opus. Rappel, bilan nostalgique, synthèse, aboutissement peut-être.

Cette libre abstraction, introduite par mes derniers choix d’écriture, est le témoignage d’un long cheminement au fil des successives découvertes qui constituent ma contribution au riche répertoire acousmatique. Aussi fait-elle allusion à dix huit de mes œuvres-jalons, témoignages temporels qui pourraient résumer l’évolution de ma pensée et de mon langage. FD

Commande de Musiques & Recherches composée dans le studio du compositeur à Avignon (France).


Mourad Bncr (ca)


Artiste multimédia basé à Tiohtiá:ke/Mooniyang (Montréal).  Le travail sonore et visuel de Mourad Bncr s’inspire du concept de mémoire éphémère. Ses créations imprégnées de beat-music laissent une grande place à la texture et au détail, établissant des liens entre son héritage culturel nord-africain, des univers empreints de science-fiction et une fascination pour l’obsolescence technologique.

Au fil des années, il a mené une carrière professionnelle prolifique en tant que formateur et concepteur sonore spécialisé dans la création d’environnements immersifs, l'audio spatialisé et la réalité mixte.  Mêlant prise de son réelle, instrumentation, synthèse sonore et techniques de microsampling, son langage musical s’approprie la notion d’espace de façon singulière et se rapproche de la composition cinématographique. 

Son EP UNREST, sorti chez Unlog en 2021, se veut une synthèse de ce parcours, une transition assumée vers une nouvelle couleur musicale.

Site Web
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Programme

Le monde après nous (2020-23) 19’33’’

Le monde après nous ; la part de nous qu’on abandonne aux endroits que l’on traverse.

Entre hantologie et fragments de mémoire sonore synthétique, ce triptyque s’inscrit dans le prolongement de la pièce UNREST, sortie en 2021 chez Unlog sous le projet [indistinct voices over PA]. Méditatifs, parfois abrasifs, ces trois tableaux se veulent des arrêts sur image à la fois immatériels et habités qui confrontent notre rapport à l’espace, des lieux imaginaires hantés par nos inconscients collectifs passés et futurs.

Cet ensemble doit son nom au film éponyme du cinéaste Nicolas Lachapelle sorti en 2020, documentaire de création et réflexion cinématographique sur l’esprit des lieux et dont Mourad a composé la trame sonore. Les deux artistes ont également collaboré sur le court métrage Zug Island (2022).


Guillaume Côté (ca)


L’artiste sonore Guillaume Côté explore, à travers un mélange de matériaux concrets, synthétiques et vocaux, les dynamiques territoriales, linguistiques et sociales propres au Québec.

Éclectique, sa recherche artistique repose non seulement sur la rencontre de l'Autre par un discours musical aux visées narrative ou informative, mais aussi sur l'abstraction induite par les systèmes modulaires.

Avide de collaborations, il est cofondateur de la boîte de création audionumérique Trames, du collectif Falaises et Aubes, en plus d'occuper le poste de responsable technique-artistique au centre Avatar à Québec au Canada.

Discrete Stream of Light, sortie en 2023, est sa première parution solo.

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Programme

Discrete Stream of Light (2022) 20’

Des motifs arpégés, des répétitions hypnotisantes, le tout à portée d'un discret flux de lumière.

Pièce-fleuve de 20 minutes, contenant quatre mouvements distincts. Initialement enregistrée en temps réel, sans modifications ultérieures, la version présentée à AKOUSMA reprend le même principe de spontanéité, tout étant joué en temps réel, sans bande.

Photo: Sarah Seené


18 octobre 2023

Soirée 1 - 
21h
Bloc_2



1345 Ave. Lalonde, Montréal, QC H2L 5A9

Achat de billets

Roxanne Lacasse (ca)


Roxanne Melissa Guerra-Lacasse née un mercredi le 30 mars 1994, artiste multidisciplinaire, grandit au Québec près de la Métropole entre deux cultures : québécoise et mexicaine. Dans son cheminement, les arts sont au cœur de son parcours: elle étudie en théâtre à l'Université Laval et en composition électroacoustique au Conservatoire de musique de Montréal. La question de l'Amour l'inspire énormément et ce thème est un moteur à ses créations. Après ses études, elle se consacre à son OBNL: Angle Psy qu'elle a co-fondé pour la sensibilisation de la jeunesse sur les thèmes de la santé mentale et la culture du viol. Son OBNL lui vaut plusieurs prix et distinctions dans le monde de l'entrepreneuriat. Elle continue ses œuvres musicales en parallèle pour pouvoir améliorer l'ensemble de son travail artistique.

Programme

La Berceuse de la veuve (2020-23) 10’15”

«La Berceuse de la Veuve» provient d'une pièce théâtrale que j'avais écrite dans le cadre de mon cours d'écriture dramatique pendant mon BAC en théâtre à l'Université Laval. Le concept de base portait sur la quête de l'Amour Éternel. Pour ce faire, la représentation de mes personnages secondaires s'inspirait des caractéristiques des pierres qui sont pour moi relié à l'histoire et ma protagoniste s'inspirait de la musique qui est relié pour moi aux champs vibratoires existant sous toutes les formes. Après l'écriture, j'ai traduit ma pièce en espagnol, pour la mettre en scène au Costa Rica dans le cadre de mon cours de «Proyecto Final ». J'ai fait plusieurs ateliers de recherche sonore avec mes acteurs, mais je sentais qu'il manquait une dimension à mon oeuvre.

Après mon séjour au Costa Rica, j'ai étudié au Conservatoire en composition électroacoustique pour me perfectionner dans le domaine musical. Dans le cadre de ma deuxième année, j'ai mis en musique cette pièce que j'avais écrite et j'ai guidé ma recherche sur la musique rituelle. J'ai exprimé principalement cette composition avec des pierres et des minéraux, et aussi d'autres matériaux que je considère rituels comme: corde de guitare, carillon, air, eau, etc. J'avais envie d'aller encore plus loin dans l'œuvre et donc dans le cadre d'une résidence de création entre Prim et Code d'accès, j'ai travaillé sur la spatialisation de ma pièce pour faire vivre au public une dimension supplémentaire à l'expérience sonore. Dans ce sens, ma pièce se veut une expérience multidimensionnelle et sensorielle. Au plaisir de vous faire découvrir la spatialisation du fruit de mes efforts dans cet espace.
 

Rocío Cano Valiño (ar)


Rocío Cano Valiño - née à Buenos Aires, Argentine - est compositrice et architecte d’intérieur. Sa production musicale est dédiée aux pièces instrumentales, mixtes et électroacoustiques. Elle est membre du comité artistique de l'Ensemble Orbis, qui est basé à Lyon et qu'elle a cofondé. Rocío a travaillé avec des ensembles tels que : Proxima Centauri, HANATSU miroir, Paramirabo, Ensemble Orbis, Ensemble Ars Nova,     Duo PARCOURS, entre autres.

Site Web

Programme

Astérion (2018) 8’22”

Astérion est une pièce acousmatique stéréo inspirée par La Demeure d’Astérion de J. L. Borges. On donne le nom de Minotaure à un monstre qui a le corps d’un homme et la tête d’un taureau. Il s’appelle en réalité Astérion, et vit dans un immense palais (le Labyrinthe) composé d’un tel enchevêtrement de salles et de couloirs qu’il est impossible à tout autre qu’à son architecte (Dédale) d’y retrouver son chemin. Aux yeux d’Astérion, le Labyrinthe est à la fois fini et infini et, par voie de conséquence, tout autant sa maison que sa prison. Les journées se passent à jouer, à courir à travers les galeries de pierre et à faire semblant de dormir. Tous les neuf ans, neuf hommes entrent dans le labyrinthe et Astérion les délivre de leur souffrance. L’un d’eux, avant de mourir, annonce qu’un jour son rédempteur (Thésée) arrivera.

L’oeuvre acousmatique conduit l’auditeur à travers le labyrinthe, à travers ce monde de fenêtres et de portes multiples. Dans la dernière partie de la pièce, la concentration musicale s’accentue: Thésée affronte Astérion, et le tue. On devine à la fin le dernier souffle d’Astérion.


Okno (2020) 10’

Okno est une pièce électroacoustique stéréo inspirée d'une histoire de l'écrivaine argentine Silvina Ocampo intitulée Okno, el esclavo. Dans le conte est toujours présente l’idée du réel et de ce qui est fictif, à la frontière incertaine entre rêve et réalité. Il décrit également la richesse d’invention de l’imagination et des sens... Le conte considère l’identité et l’art comme des vecteurs d’expression.

À travers cette pièce musicale, l'idée de l'imaginaire est exprimée dans des sons qui peuvent comporter une connotation prédéterminée - se construit alors un son imaginaire en dehors du contexte d’origine de chaque élément. De plus, sont utilisés dans l’oeuvre des enregistrements de sons fait avec des machines (magnétophones, etc.) posant la question de la relation des êtres humains avec l’automatisme. Il s’agit de cette limite, où l’outil cesse d’avoir une entité à part entière pour devenir une partie de nous. Le fait que j’ai manipulé la machine n’induit-il pas un comportement déjà humain ?

[...] El ruido cambió de ritmo [...] que puedo imaginar. No hay nada que imaginar. Todo está ahí, ante los ojos y el oído que escucha [...] Yo, en la semioscuridad del cuarto, adivino las formas que me rodean [...]

Pièce commandée par Radio France pour l’émission «Création Mondiale» et réalisée au Studio Groupe de Recherches Musicales (GRM).



Sarah Belle Reid (ca)


Sarah Belle Reid est une compositrice qui joue de la trompette, d'un synthétiseur modulaire et d'une collection toujours croissante d'instruments électroniques fabriqués à la main. Sa voix musicale unique explore les intersections entre la musique classique contemporaine, l'électronique expérimentale et interactive, les arts visuels, la musique noise et l'improvisation. Souvent louée pour sa capacité à transporter les membres du public à travers des aventures musicales saisissantes, la palette sonore de Reid a été décrite comme «gracieuse» et «dansante», ou provoquant un état d’apesanteur comme «de la soie tombant dans  l'espace» (San Francisco Classical Voice). Son premier album pour trompette et électronique interactive, "Underneath and Sonder", est sorti sur pfMENTUM en octobre 2019.

Site Web

Programme

Manifold (2023) 25’

Manifold porte un regard sur la perception temporelle et la mémoire : de minuscules moments qui semblent persister indéfiniment ; des récits flous et fragmentés qui se dégradent et s'échappent ; rituels oubliés et traditions chères.

Cette œuvre – pour trompette, voix, traitement en direct et électronique interactive – explore la collecte, la manipulation et la distorsion de moments dans le temps grâce à l'utilisation de feedback, de boucles, de circuits chaotiques et de traitement granulaire en combinaison avec des techniques expérimentales de trompette et de chant.

Le résultat est un monde sonore en constante évolution, à la fois intime, implacable, ludique et surréaliste – improvisation frénétique et mélodies fondantes ponctuées de silences.

19 octobre 2023

Soirée 2 - 
20h
Bloc_1



1345 Ave. Lalonde, Montréal, QC H2L 5A9

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Diego Bermudez Chamberland (ca/cr)


Diego Bermudez Chamberland est un artiste latino-québécois (Québécois/Costaricain) qui navigue dans plusieurs médiums liés à la création sonore et audiovisuelle tels que la composition, la performance musicale en direct, la performance audiovisuelle et la conception sonore.

Sa pratique s'inspire de son intérêt pour l'exploration de la mixité des matériaux sonores et visuels. La collaboration est un aspect essentiel de sa pratique artistique. Il la voit comme un moyen de transcender ses réflexes créatifs et d'amener ainsi ses oeuvres vers de nouveaux horizons.

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Programme 

Destin//Trouble (2021) 18’21”

Destin//Trouble
est la deuxième composition d’une œuvre acousmatique en trois mouvements (Cartografía interior) puisant principalement son inspiration dans la mythologie scandinave telle que racontée dans le recueil de Snorri Sturluson : l'Edda. Il est important de souligner que l'œuvre n’essaie pas de matérialiser d’une façon littérale cet univers, mais propose davantage une adaptation sonore libre et personnelle. Il en est né une musique qui explore l’énergie, la temporalité continue et fragmentée, les espaces multiples à travers des timbres et articulations variés plutôt qu’une recherche axée sur le mimétisme ou la recréation littérale de cet univers. Les arrimages possibles entre quelques grands thèmes de la mythologie scandinave (les forces naturelles, les territoires infinis et le dynamisme) et la composition ont été explorés durant le processus de création. Ces thèmes se sont transposés dans la morphologie des sons, l’approche formelle du montage et le travail d’espace. Les matériaux sonores au coeur de l'œuvre sont issus de diverses expérimentations ayant comme assises l’hybridation de sons de synthèse, d'instruments acoustiques, de prises de son naturaliste, ainsi qu'une suite de transformations au moyen de traitements audionumériques.

Destin//Trouble a remporté la troisième place (ex æquo) lors de l’édition 2021 du concours JTTP de la CEC.
Crédit  : Félix Thivierge


Nicola Ratti (it)


Nicola Ratti est un musicien et designer sonore aux multiples facettes; il est actif depuis des années dans divers champs d’expérimentation. Sa production sonore crée des systèmes qui prennent forme à partir de la répétition et de l’expansion, et il porte une attention particulière à la construction d’environnements qui reflètent l'espace et l'architecture dans lesquels nous vivons et qui équilibrent les orientations émotionnelles et perceptuelles auxquelles nous sommes habitué.

Né à Milan en 1978, il s'est produit en Europe, en Amérique du Nord, en Russie et au Japon et ses albums ont été publiés par différents labels internationaux depuis 2006. Il a longtemps collaboré avec Giuseppe Ielasi au sein du duo Bellows, formé en 2007.

Site Web
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PROGRAMME

so the year will be this one 20’

Version live de K1/K2 pour support, synthétiseur modulaire et boucles de piano.

Crédit  : Lucrezia Pegoraro

Tomoko Sauvage (jp)


Tomoko Sauvage (JP/FR) est une musicienne et artiste sonore connue pour les expérimentations instrumentales qu’elle réalise depuis déjà longtemps en mêlant eau, céramique, amplification subaquatique et électronique. Ses recherches sont fondées sur des pratiques de performance en direct qui s’adaptent là a dynamique imprévisible des matériaux. Incorporant des gestes rituels, elle improvise de manière ludique avec l’environnement, utilisant le hasard comme méthode de composition.

Son troisième album solo, Fischgeist, a été enregistré dans un réservoir d'eau à Berlin et publié par bohemian drips en 2020. Elle vit et travaille à Paris depuis 2003.

Site Web
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Waterbowls solo (improvisation) 30’

Née et élevée à Yokohama, au Japon, Sauvage s'installe à Paris en 2003 après avoir étudié le piano jazz à New York. En écoutant Alice Coltrane et Terry Riley, elle s'est intéressée à la musique indienne et a étudié l'improvisation de la musique hindoustanie. En 2006, elle assiste à un concert d'Aanayampatti Ganesan, un virtuose du Jalatharangam - l'instrument de musique carnatique traditionnel avec des bols en porcelaine remplis d'eau. Fascinée par la simplicité de son appareil et sa sonorité, Sauvage se met immédiatement à frapper des bols en porcelaine avec des baguettes dans sa cuisine. Bientôt son envie de s'immerger dans l'eau fait naître l'idée d'utiliser un micro sous-marin et donne naissance à un instrument électro-aquatique.



Crédit  : WOS Festival / Leo Lopez

19 octobre 2023

Soirée 2 - 
21h
Bloc_2



1345 Ave. Lalonde, Montréal, QC H2L 5A9

Achat de billets

Pierre-Luc Senécal (ca)


Maître de Musique, Pierre-Luc Senécal s’est épanoui sur le terrain fertile de l’électroacoustique. Profondément inspiré par le rock, la pop et le métal, il insuffle dans ses pièces électroniques sa sensibilité, son lyrisme et son énergie débordante. Écoutez sa musique et vous découvrirez des ténèbres profondes et des halos de lumière sonore. Vous entendrez rugir chacune des facettes de son répertoire contrasté.

Ses réalisations notables comprennent la conception sonore pour le célébrissime jeu vidéo Resident Evil 7: Biohazard et la fondation du vociférant Growlers Choir. Cet ensemble vocal formé exclusivement de chanteurs métal a fait sensation en participant à America’s Got Talent, l'un des spectacles télévisés les plus médiatisés au monde.

Programme 

Broken Voices
(2023) 14’ - **création**

Broken Voices est le premier volet d'un cycle d'œuvres explorant le thème de la guerre. Ce sujet m'a inspiré à faire une vaste recherche de nature historique. Celle-ci a, paradoxalement, renforcé les questionnements artistiques. Comment représenter en musique les atrocités de la guerre? Comment utiliser le son pour évoquer sa violence? Comment rendre universel le traumatisme spécifique d'une guerre? Comment s'inspirer d'une expérience que l'on n'a pas vécue soi-même? Je présente quelques-unes de mes réponses dans Broken Voices.

Dans cette pièce, j'ai fusionné des éléments d'œuvres antérieures, des sons d'objets métalliques, des chansons d'époque sur vinyle et surtout des échantillons de voix que j'ai transformés par saturation et par feedback. Les voix résonnent avec elles-mêmes, symbolisant métaphoriquement des cris noyés dans une mer de bruit.

Merci à Marc Béland, Émilie Sigouin, Vincent Pascal et Rose Naggar-Tremblay pour leurs voix. Merci aussi à Jonathan Littell, qui a généreusement autorisé l'intégration d'extraits de son roman Les Bienveillantes. J'ai co-créé cette pièce en collaboration avec Pierre Alexandre Tremblay et Bernard Gariépy-Strobl. Merci pour leur aide inestimable avec la réalisation musicale et le mixage, respectivement.

Crédit  : Elias Touil


Marja Ahti (fi)


Marja Ahti est une artiste sonore et compositrice suédo-finlandaise. Travaillant avec des enregistrements de terrain et des sons acoustiques ou électroniques texturés, elle explore la frontière où ces derniers se croisent et communiquent. Elle crée des récits musicaux précis avec des textures acoustiques détaillées en mutation lente auxquelles s’ajoutent des formes et des tons calibrés intuitivement. Sa musique se déploie dans un univers poétique entre l'acousmatique et le documentaire, oscillant entre l'abstraction et le profondément familier.

Site Web

PROGRAMME

Still Lives (2020-2023), 21’

  • Untitled
  • Dust / Light
  • In Ictu Oculi
  • Exosphere

Pour son concert à AKOUSMA, Marja Ahti interprétera un set fusionnant du nouveau matériel avec des réalisations uniques de pièces récentes. Les performances d'Ahti s'inscrivent souvent dans la continuité du processus de composition, dans lequel de nouvelles pièces poussent comme des branches à partir de structures préexistantes.
                           
Crédit  : Laurent Orseau

Devon Hansen (us)


Devon Hansen est un musicien et écrivain basé à Montréal.

Ayant produit de la musique électronique depuis l'âge de 12 ans et affiné ses compétences en composition grâce au programme d’études électroacoustiques de l’Université Concordia, son travail a pris un large éventail de formes: du hip-hop, de la techno et de la musique ambiante aux compositions pour podcasts, installations sonores et médias interactifs, ainsi que des pièces acousmatiques multicanales. Leur musique ont été publiés par un certain nombre de labels en Amérique du Nord, en Europe et au Japon, et ils ont joué dans de petits espaces indépendants comme dans des festivals plus importants.

Récemment, Hansen a développé une approche de la performance improvisée axée sur l'utilisation hybride de la synthèse modulaire et d'un ordinateur portable, dans lequel ce dernier sert de boucleur en direct et processeur pour une seule source sonore. Aucune note de patch ou structure n'est déterminée à l'avance, et peu ou pas de répétitions ont lieu, une méthode inspirée par l’expérience de Hansen dans le cadre du trio d'improvisation Fousek/Hansen/Tellier-Craig.

Hansen travaille actuellement sur une série de sorties pour le label numérique Idioms. Vous pouvez également suivre leur travail sur Instagram.

PROGRAMME

Untitled Improvisation 



20 octobre 2023

Soirée 3 - 
20h
Bloc_1



1345 Ave. Lalonde, Montréal, QC H2L 5A9

Achat de billets


Nicola Giannini (ca/it)


Nicola Giannini est un compositeur de musique électroacoustique qui vit et travaille à Montréal. Sa pratique est axée sur la musique immersive, à la fois acousmatique et en direct. Ses œuvres ont été présentées en Amérique du Nord, en Amérique du Sud et en Europe. Il a reçu le premier prix au concours JTTP 2019 organisé par la Communauté électroacoustique canadienne et une mention honorable au XII° concours de la Fundación Destellos. Il a été aussi finaliste au concours Città di Udine 2018. Originaire d’Italie, il est étudiant au doctorat sous la direction de Robert Normandeau à l’Université de Montréal, où il est également auxiliaire de recherche au Groupe de recherche en immersion spatiale (GRIS) et chargé du cours.

Programme

Rebonds (2021) 13’

Rebonds est une pièce ludique qui explore les frontières entre rythme, hauteur, texture et espace. L’œuvre s'inspire de la figure rythmique du rebond, une figure récurrente en musique électroacoustique, caractérisée par la répétition d'un élément à une vitesse progressivement croissante. L’objectif est de créer des chorégraphies sonores, en explorant les possibilités de spatialisation du son. La pièce a été composée à l’Université de Montréal et lors d’une résidence au centre d’art Sporobole, à Sherbrooke.

La pièce  remportait en octobre 2022 le prix M