Stephanie Moore

La compositrice Stephanie Moore est aussi à l’aise dans l’univers de la musique instrumentale que dans celui de la musique électroacoustique, avec un intérêt particulier pour la « musique mixte », qui combine les deux. Depuis son arrivée à Montréal en 2009, sa palette créative s’est élargie pour inclure le son enregistré (instruments et objets du quotidien), le paysage sonore environnemental, les enregistrements échantillonnés et le son électronique, en plus des instruments occidentaux standards.

Elle a reçu des commandes de l’Ensemble Paramirabo, de New Adventures in Sound Art, du Cluster Festival + Plumes Ensemble, de l’Ensemble In Extensio et de Voces Boreales + Bradyworks, entre autres. Sa musique a été présentée au festival Sound Travels de New Adventures in Sound Art (Toronto), au New York City Electroacoustic Music Festival et au Cluster New Music and Integrated Arts Festival (Winnipeg). Stephanie a également composé et conçu des environnements sonores pour le théâtre, notamment pour I’m Not Here(SummerWorks Performance Festival à Toronto) et Zoom-Boom-Boom, une œuvre cocréée avec l’écrivain Alexis Diamond et commandée et coproduite par les Jeunesses Musicales du Canada. Cette dernière œuvre, un concert théâtral de 35 minutes initiant le très jeune public à la musique électroacoustique, a été présentée à la Place des Arts (Montréal), au Centre national des Arts (Ottawa) et à plusieurs reprises dans la région de Montréal de 2019 à 2023.

Au cours des dernières années, Stephanie s’est concentrée uniquement sur la composition de musique électroacoustique et la création d’un album concept de musique acousmatique de style pop, avec le soutien du Conseil des arts du Canada. Son travail avec Andrew Yankiwski de Precursor Productions, ingénieur du matriçage de l’album, remonte à 2017 et à une bourse de résidence Québec-Manitoba du Conseil des arts et des lettres du Québec. Il a été consultant sur l'album tout au long du processus de création et une fois la version stéréo finalisée, ils prévoient de créer un mixage audio immersif Dolby Atmos séparé de l'album à l'été 2025.

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Programme

Ce concert est un avant-goût de cinq pièces acousmatiques qui composent un album concept de style pop à paraître en 2025. Inspiré en partie par l’œuvre acousmatique phare de Bernard Parmegiani De Natura Sonorum (1975) et en partie par des techniques transposées de la cuisine d’avant-garde, ce projet a été créé avec le soutien du Conseil des arts du Canada.


1) Are You Ready? / Changing Texture and Function (16’)

Influencé par des effets de détournement comme celui du melon d’eau imitant le thon, de l’aigre devenant sucré ou du fromage transformé en mousse, ce morceau présente des textures musicales qui mutent de l’une à l’autre (par exemple, du métallique vers l’aérien) et des matériaux sonores qui transforment la fonction (la hauteur devenant rythme) en différentes couches de densité. Les sources sonores comprennent de nombreux instruments non musicaux, certains instruments de musique, un paysage sonore environnemental et de la synthèse.


2) WaiMoRightTheforMentting / Dematerializing (6’)

L’intégralité du matériel source de cette pièce est tirée de l’enregistrement d’archives de la lecture d’une pièce pour orchestre de chambre que j’ai composée il y a de nombreuses années : Waiting for the Right Moment (2008). Il s’agissait à l’origine d’une pièce pour quintette à cordes, et j’en ai créé un arrangement pour orchestre de chambre en 2009. Cet enregistrement était dans mes archives personnelles depuis quelques années, mûr pour être « dématérialisé », découpé, manipulé pour devenir quelque chose de nouveau. Je me suis inspiré de la procédure du chef avant-gardiste Homaro Cantu qui transforme les sushis en une image de sushi imprimée sur du papier comestible au goût de sushi… Je rêve qu’un jour, les deux versions (orchestrale et acousmatique) soient jouées en direct l’une après l’autre.


3) Replicating (12’)

La réplication vu comme un jeu d’imitation entre la gauche et la droite dans un champ sonore stéréo et aussi comme des traductions successives de la séquence sonore initiale liée à la nourriture (en utilisant, par exemple, des instruments de percussion, de synthèse et des instruments logiciels). Comme dans le jeu du téléphone, certaines caractéristiques ou significations originales peuvent se perdre en cours de route et la question de savoir à quel point nous restons près du point de départ peut être laissée à l’interprétation individuelle. À mon avis, nous nous retrouvons dans un endroit à la fois très similaire et très différent du point de départ…

Un exemple culinaire de réplication est le phénomène des « faux desserts » dans la Grande-Bretagne d’après-guerre : par exemple, un flan aux abricots répliqué en utilisant une garniture à la carotte et aux prunes avec une croûte de tarte à la purée de pommes de terre.


4) Reconfiguring (7’)

Cette pièce explore la tension entre une ligne continue et des interruptions, alors qu’un synthétiseur analogique soliste rivalise avec un premier plan fragmenté actif. Ce premier plan est constitué d’une panoplie de courts extraits d’un enregistrement d’archives de ma pièce pour orchestre de chambre Waiting for the Right Moment, qui sont progressivement traités et reconstitués à l’aide d’une collection hétérogène d’échantillons. Le chef Homaro Cantu parle de cuisine « note par note », qui utilise des composés purs au lieu de matériaux composites et cette façon de réutiliser et de reconfigurer mon matériel orchestral lui semble apparentée.


5) Simulating, Partis I and II (7’30’’)

Dans mon travail avec le son enregistré, j’ai toujours été attirée par ce que je considère comme des « sons similaires » : des enregistrements d’un son qui, à l’écoute, et sans savoir quelle était la source sonore originale, pourraient facilement passer pour autre chose. Par exemple, un morceau de papier amené vers et loin d’un ventilateur électrique, qui rappelle par son timbre et sa texture sonore le bruit d’un petit avion. La conception des bruitages au cinéma repose souvent sur ce type d’ambiguïté perceptive. En cuisine d'avant-garde, on peut penser à un « gâteau trompe-l’œil », par exemple un gâteau imitant un sac à main en cuir.

Cette pièce utilise une collection de sons enregistrés qui sont tous ambigus à mon oreille – sonnant à la fois comme ce qu'ils sont vraiment et comme quelque chose d'autre. J'ai monté ces sons pour raconter une histoire, en deux parties, en utilisant ces origines sonores imaginaires.

Électrochoc

La série de concerts Électrochoc, proposée en codiffusion par le Conservatoire de musique de Montréal et Akousma,

met à l’affiche des concerts-dialogues qui présentent au public les différentes facettes de la musique électroacoustique ainsi que le talent et la créativité des élèves des classes de composition de Martin Bédard et de Louis Dufort, les deux codirecteurs artistiques de la série. La programmation des soirées Soundwich sera dévoilée plus tard. 

Saison 2024-2025
Bénédicte + gonima - 26 septembre 2024
Soundwich XIX - 7 novembre 2024
Charles Quevillon + Sawtooth  - 12 décembre 2024
Léa Boudreau + Simon Chioini - 23 janvier 2025
Soundwich XX - 20 février 2025
Stephanie Moore - 20 mars 2025

Bénédicte (Maxime Gordon)

Maxime Gordon est une artiste interdisciplinaire basée à Montréal, travaillant principalement dans le domaine du son et de la musique. Elle publie et compose de la musique électronique expérimentale sous le nom de Bénédicte depuis 2017. Sa musique mélange des synthétiseurs envoûtants, des paysages sonores déformés et des échantillons vocaux scintillants pour explorer des moments d'introspection et de sensation.

Elle a présenté son travail dans des lieux et des festivals en Amérique du Nord et en Europe, tels que MUTEK (Montréal), l'Institut du Son Spatial (Budapest), MONOM (Berlin), Eastern Bloc x Nuit Blanche (Montréal) et Glory Affairs x Punctum (Prague).

Son album le plus récent est le EP de 5 titres intitulé "When It Binds", sorti sur le label discographique Blueberry Records basé à New York en 2021. Elle travaille actuellement sur un nouvel album et organise des promenades sonores (soundwalk) à travers Montréal.

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Programme

Untitled (2024) 9’26 
Création

Halves, Shoals (2023) 15’50 

gonima (Evan Magoni)

gonima est le pseudonyme d'Evan Magoni (il/lui), un artiste audiovisuel basé à Montréal qui explore l'esthétique glitch, les rythmes complexes, les mélodies lumineuses et les atmosphères ambiantes. Il utilise l'édition audio de manière pointilliste ainsi que des processus musicaux génératifs pour créer des textures numériques détaillées, une tonalité éthérée et des arrangements musicaux de type collage, le tout avec une dimension émotionnelle.

Le projet Gonima a débuté en 2011 à Philadelphie et a depuis vu ses créations publiées par Satellite Era à Chicago, Sunset Waves à Austin, au Texas, Bullflat3.8 à Kyoto, au Japon, ainsi que par les labels montréalais ygrade et Ancient Robot, ainsi qu'à Munich, en Allemagne, chez Slam City Jams.

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Programme

Immaterial, Unbounded (2024) 10’
Creation

Homeostasis (2023) 15’40

Composée pour le Festival Akousma 19, cette pièce explore les thèmes de la transcendance. Des enregistrements de terrain et des éclats spectraux résonnent dans une ambiance feutrée et mélodique à travers l’utilisation de vocodeurs et de réverbération, créant des espaces synthétiques en haute définition. Des fragments aigus du monde matériel se fondent en ondes progressives avec des tonalités oniriques et éthérées.

Jules Bastin-Fontaine

Jules Bastin-Fontaine (né en 2000) est un compositeur et tubiste originaire de la ville de Québec et maintenant établi à Montréal. Au Conservatoire de musique de Montréal, il a obtenu sa maîtrise avec distinction en composition instrumentale en 2024 dans la classe de Maxime McKinley. Il complète maintenant, dans cette même institution, un diplôme de premier cycle universitaire en composition électroacoustique auprès de Louis Dufort et un stage de perfectionnement avec Maxime McKinley et Ofer Pelz.

Sa musique s’est vue décerner le prix « Relève VVA 2019 », remis par E27 Musiques nouvelles (pour Trio en hommage à Bruckner) et trois prix dans le cadre des « Concours de la Fondatio SOCAN pour les jeunes compositeurs ». Lors de l’Académie virtuelle de Orford 2020, son œuvre L’heure joyeuse a remporté le « Prix depermettant d’être joué lors de concerts de la tournée « Génération 2020 ». Sa pièce Compositio acousmatique I a remporté le 2e prix au concours JTTP 2023.

Il a entre autres été joué par l'Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), l'Ensemble Paramirabo, l’Ensemble MusiquAvenir, l'Orchestre symphonique du Conservatoire de musiqu de Montréal (OSCMM) sous la direction de Tania Miller et l'Orchestre de la francophonie dirigé par Simon Rivard. En 2024, il a fait une résidence de création avec la compositrice Lily Koslo à l’Akademie der Künste de Berlin.

Programme
Composition acousmatique III 

Composée au Conservatoire de musique de Montréal entre novembre 2023 et octobre 2024, Composition acousmatique III est une pièce octophonique proposant différents espaces sonores comme lieux de contrepoints d’une matière synthétique.

Audréanne Filion

Audréanne Filion est une violoncelliste, compositrice et improvisatrice montréalaise. Son travail se penche principalement sur les musiques de création, contemporaines et expérimentales. Elle a créé plusieurs œuvres de ses collègues de la scène canadienne incluant des pièces de Sarah Davachi, Takuto Fukuda, Keiko Devaux, Geneviève Ackerman, Jean Décarie, Simon Martin,Mike Maevsky, Yulin Yan et plusieurs autres. Elle est membre de l’Ensemble Tesse, de l’Ensemble Éclat, du Quatuor Mémoire et du duo Filion/Bourgault et se joint également en tant que pigiste à d'autres ensembles de chambre tels que Projection Libérantes, No Hay Banda, SuperMusique et Novarumori.

Audréanne a également un projet de performance solo dans lequel elle joint improvisation au violoncelle, composition électronique et traitement en tempsstyles, instrumental et électronique, ambiant et noise, classique et expérimental. Elle explore la microtonalité, les phénomènes sonores timbraux et texturaux tels que les battements, la distorsion, les larsen, et les mélanges entre sonorités acoustique et électronique.

Sa musique a été programmée à OK LÀ, Totem Électrique XV, Interzone Editions, EAF, à la 6e édition du concert du ViU, Midfield 02, lors du concert Masse 2022 de Codes d’accès et aux Jardins de Métis à Rimouski en 2022.

Également active sur la scène pop expérimentale, Audréanne se produit avec différents groupes, notamment Everly Lux et Xela Edna, et elle joue fréquemment avec des musiciens électroniques tels que YlangYlang, Jessica Moss, Kid Koala, Erika Angell et Myriam Bleau. Ses activités musicales lui ont permis de se produir au Canada, aux États-Unis, aux Émirats arabes unis, en France et en Allemagne. Formée au Conservatoire de Musique de Montréal, Audréanne détient un baccalauréat et un diplôme d’artiste en interprétation du violoncelle ainsi qu’un baccalauréat en composition électroacoustique.

Programme

Live pour violoncelle et électroniques

Cette performance explore l'intersection entre les techniques contemporaines du violoncelle et des textures électroniques immersives. En combinant mélodies dissonantes, sons bruts et granuleux du violoncelle avec des électroniques en direct et des retours contrôlés, un paysage sonore se dessine, où battements, bruit et micro-tons évoquent des états d'erranc et de tension. La performance navigue entre des moments d'intensité abrasive et de calme méditatif, abordant des thèmes de dualité, de saturation et d'équilibre fragile.

Gabriel Geneau

Gabriel Geneau est un artiste polyvalent qui élargit les horizons de l'expression artistique par le biais des outils modernes. En explorant les multiples possibilités de la synergie entre la musique et les visuels, il crée des œuvres esthétiques et percutantes, invitant le public à un voyage sensoriel captivant . Ses créations offrent une expérience où les sens se mêlent et se confondent.

Attentif à repousser constamment les limites de sa créativité, Gabriel Geneau explore avec passion de nouvelles avenues, embrassant l'innovation et la diversité dans son processus créatif. Il intègre la technologie tout en demeurant fidèle à l'essence même de l'expression artistique.

Programme
Ecdysis

« Ecdysis » se déploie comme un court métrage de danse expérimentale captivant, explorant le voyage nuancé de la libération. Le film capture la lutte subtile mais puissante d'un protagoniste, aboutissant finalement à un moment de libération profonde. Les connexions fluides entre une bande sonore qui persiste dans le domaine de l'hypersensibilité, des images symboliques et une conception d'éclairage dynamique rehaussent l'expérience sensorielle globale, plongeant le public dans le flux et le reflux de la lutte transformative du protagoniste.

Hans Martin

Hans Martin détient une maîtrise en composition du Conservatoire de musique de Montréal. Au cours de sa formation, il a notamment étudié auprès de Jimmie LeBlanc, Klaus Lang, Serge Provost et Michel Tétreault. Composant à la fois des œuvres instrumentales, électroacoustiques et mixtes, il s’intéresse à l’expérience du son en tant que phénomène acoustique. Ses recherches sont influencées par les formes musicales issues de la tradition algorithmique du Moyen Âge à aujourd’hui.

Les œuvres de Martin ont notamment été jouées par l’Ensemble de la SMCQ, les Petits Chanteurs du Mont-Royal, l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), l’Orchestre de la Francophonie, l’ensemble Hanatsu Miroir, l’Ensemble AKA, les étudiants de l’ensemble Klangforum Wien (PPCM), ainsi que plusieurs autres formations étudiantes telles que l’orchestre symphonique, l’orchestre à
cordes et l’ensemble de musique contemporaine du Conservatoire de musique de Montréal, ou encore l’ensemble EROC à l’Université de Montréal.

En tant que concepteur sonore, il a travaillé avec le metteur en scène Simon Boudreault et les étudiants du Conservatoire d’art dramatique de Montréal, puis avec le metteur en scène Charles Voyer et le Théâtre indépendant. Parallèlement à son travail de compositeur, Martin a aussi collaboré en tant qu’auteur à la revue Circuit, musiques
contemporaines.

Programme
Songe de Scipion

Le « Songe de Scipion », célèbre passage de l'œuvre De Republica de Cicéron, présente un dialogue fictif entre Scipion Émilien, un général romain, et son grand-père décédé, Scipion l'Africain. Dans cette conversation, l'ancêtre décrit la structure cosmique de l'univers et dévoile la nature immortelle de l'âme à son descendant.

Plusieurs auteurs, tels que Macrobe, Boèce et Pétrarque, ont commenté ce Songe de Scipion, considéré comme une sorte de pendant à la « légende d’Er » décrite par Platon dans le Xe livre de La République. Plus largement, l'idée pythagoricienne de l'harmonie des sphères, à l'origine de ces textes anciens, a laissé une empreinte sur la pensée musicale, cosmologique et mathématique tout au long de l'histoire occidentale.

Inspirée par ces idées, ma pièce se compose de neuf sections, chacune représentant symboliquement une planète du système solaire décrit par Cicéron. Chaque section a une durée d'une minute, suivant un mouvement général du terrestre au céleste.

Je tiens à exprimer ma gratitude à Jérémie de Pierre pour sa contribution aux sons de flûtes à bec utilisés dans cette pièce.

Charles Quevillon (ca)

Charles Quevillon est un compositeur canadien, résidant en Finlande. Diplômé du Conservatoire de Musique de Montréal, il a travaillé pendant 12 ans avec le chorégraphe Tedd Robinson sur 27 projets, présentés dans des festivals majeurs. Son approche multidisciplinaire l’a amené à collaborer avec des ensembles comme Defunensemble (FI) et Sound Initiative (FR), Kollektiv Totem (CH) et avec l’artiste visuelle Maija Tammi. Actuellement doctorant à l’Académie Sibelius, ses recherches portent sur l’usage symbolique des technologies électroniques en musique.

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Sawtooth Duo (Sarah Albu + Matti Pulkki)

Sawtooth est un duo éclectique voix-accordéon qui explore les liens entre la musique folklorique, la musique classique et le répertoire contemporain. Avec une passion pour les textures expérimentales, la collaboration interdisciplinaire et une profonde connexion à la narration, Sawtooth recherche des répertoires de chansons obscures, adapte des pièces de chambre écrites pour d'autres instruments et développe de nouvelles œuvres en collaboration avec des compositeurs.

Sarah Albu est chanteuse, compositrice et créatrice de performances, spécialisée dans la musique nouvelle/expérimentale, le répertoire du XXe siècle et l'improvisation libre. Basée à Montréal, Sarah est membre fondatrice du collectif vocal expérimental Phth et collabore fréquemment avec des artistes travaillant dans la vidéo, l'installation, la danse contemporaine, le textile et les médias numériques.

L'accordéoniste Matti Pulkki est un interprète actif et enthousiaste du répertoire contemporain et expérimental. Jouant souvent avec différents groupes de chambre et ensembles, Pulkki cherche à explorer et à étendre les possibilités techniques et acoustiques de son instrument dans la musique écrite de notre époque.

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Programme
Le Baptême du Haut-Parleur (2024) 62’00”
Opéra de chambre en 4 actes pour soprano, accordéon, Genelec 8020D, et électronique.

Musique de Charles Quevillon ; livret de Charles Quevillon, inspiré du poète finnois Eino Leino et du manuel d’instruction du Genelec 8020D. Révision par Maija Tammi.

Délivrance — Mémoires — Souffrance — Sublimation

Le Baptême du Haut-Parleur cherche à déconstruire la vision ordinaire du haut-parleur comme un simple objet utilitaire et à révéler ses significations archétypales et mystiques latentes. Par une approche à la fois ludique et sincère, cet opéra relie le cadre consumériste et technologique du haut-parleur au symbolisme religieux et spirituel. Par exemple, l’Acte I : Délivrance s’inspire du baptême moderne des objets technologiques : les vidéos de « unboxing » sur YouTube. Ainsi, cet opéra interroge la manière d’intégrer de façon significative un haut-parleur, avec toute son « âme » et ses facettes plus sombres, dans la vie spirituelle humaine.

Léa Boudreau

Léa Boudreau (née en 1993) est une artiste multidisciplinaire basée à Tiohtià:ke/Montréal qui travaille les circuits électroniques, le son et les lieux. Son travail questionne les relations inter-espèces en considérant les existences non-humaines (vie animale non-humaine, vie artificielle, le non-vivant, etc.) comme terrains de réflexion sur les hiérarchies qui divisent notre monde. Elle élabore ses œuvres suivant une approche DIY (do it yourself) dans un but de partage des connaissances et de critique de la société de consommation.

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Simon Chioini

 |Simon Chioini est artiste-chercheur et compositeur. Son travail de recherche-création intègre la composition sonore à une approche théorique interdisciplinaire. Il est actuellement étudiant au doctorat en composition et création sonore à l’Université de Montréal, où ses recherches explorent les relations entre le son, l’environnement et les dynamiques sociales. Inspiré principalement par la philosophie et l’anthropologie, son travail cherche à élargir la compréhension de la composition sonore à travers des perspectives écologiques et relationnelles. Dans le contexte de la crise climatique actuelle, la pratique de Chioini remet en question l’opposition traditionnelle entre nature et culture en explorant comment l’art sonore peut servir d’outil de médiation et de transformation de ces relations. Sa méthodologie combine la recherche théorique avec des pratiques créatives in situ, incorporant souvent des éléments performatifs et participatifs. En dehors du milieu académique, il poursuit ses projets de musique électronique et expérimentale sous le nom S. Chioini et avec le collectif Humidex.

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Programme


Bruit de front (création) 45’00

Bruit de front est une œuvre installative et performative in situ qui explore et s'adapte à l’endroit spécifique dans lequel elle est présentée. Elle examine les particularités matérielles, environnementales et sociales du lieu à l’aide de dispositifs DIY électroniques et sonores. Amplifiant et mettant en valeur une variété de bruits et sonorités souvent inaudible pour l'humain ou passant facilement inaperçu, le projet met de l'avant le caractère unique et vivant de chaque lieu par l'entremise d'une attention au détail et d'une écoute active.

Soutenez nos activités 

Depuis sa fondation à Montréal en 1991, AKOUSMA a présenté plus de 350 concerts de musiques numériques immersives, de musique mixte, de musique visuelle et d'autres formes d'art acousmatique, principalement à travers la série Rien à voir (15 éditions de 1997 à 2004) et son festival annuel AKOUSMA (20e édition à l’automne 2024).

Durant cette période, plus d'une cinquantaine d'œuvres nouvelles ont été commandées à des artistes d'ici.

Le tout a contribué à agrandir le champ des possibles en matière d'art sonore, et a rejoint des milliers d'auditeurs.

En cette période difficile pour les organismes culturels qui mettent de l’avant les musiques nouvelles, votre don permettra des initiatives favorisant la création et la diffusion des musiques numériques immersives (électroacoustiques).

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Numéro d’enregistrement d’organisme de charité: 88699 9242 RR0001

Martin Bédard

Martin Bédard a obtenu un prix avec grande distinction du Conservatoire de musique de Montréal et un doctorat en composition électroacoustique de l’Université de Montréal. Ses œuvres ont été présentées dans plus de soixante-dix événements nationaux et internationaux. Il est lauréat ou finaliste lors de quatorze concours internationaux. Il s’est vu attribué un Prix de distinction (award of dictinctions) à l'édition 2010 du concours Ars electronica (Linz, Autriche).

Outre ses activités de compositeur, il enseigne la perception auditive, la composition et l’analyse des musiques électroacoustiques au Conservatoire de musique de Montréal ainsi que la composition électroacoustique à l’Université de Montréal.

Le cinéma reste pour lui, une grande source d’inspiration pour la réalisation de ces pièces acousmatiques.

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Programme

Champs de fouilles (2008) 10’40”

Ma pièce Champs de fouilles rend hommage à l’histoire et au caractère singulier de la ville de Québec. Dans le cadre de cette création, je comptais approfondir cette cohabitation entre le support électroacoustique et la phonoculture que je définis comme étant le patrimoine sonore spécifique à une communauté ou à un territoire donné.»
Cette composition privilégie l’emploi de sons référentiels, reconnaissables ayant un ancrage dans la réalité. Ces sons ont été ensuite retravaillés en studio afin de transcender leur nature anecdotique et d’en faire des matériaux propices à l’apparition du musical. Ces sons ont servi de symboles, de métaphores, d’indices ce qui sous-entend dans ce cas, une approche et une conception narrative du phénomène sonore. À cela s’ajoute la cohabitation de matières sonores non référentielles obtenues par découpages ou par traitements servant à ponctuer l’écriture du son dans un phrasé, soit à jouer un rôle de signaux ou occuper une fonction tout à fait abstraite.
Le titre Champs de fouilles fait référence aux campagnes de fouilles archéologiques présentes dans la ville lors de la réalisation de l’œuvre.

Honey (Architectures from silence no.1) 17’26”

À MH et Lili...
La nature même du miel est pour moi un modèle naturel inspirant, dans la vie et particulièrement quant à la réalisation de cette œuvre. Le miel est le fruit d’une longue transformation. Au lieu d’être sécrété spontanément, il est issu d’un long processus de métamorphoses qui débute par des matières quasi volatiles (pollen, nectar) évoluant ainsi dans un processus de densification continu pour aboutir à une texture riche, dense, et ce, jusqu’à la cristallisation. L’abeille recueille, unifie, transfigure et transfuse: elle permet le passage du pollen au miel, c’est-à-dire qu’elle fait d’une poudre, d’une dispersion sans ordre, un liquide structuré et unifié. Le symbolisme du miel est associé à la transformation et à la synthèse. Le miel représente également une période de récolte et d’abondance.

Marie-Hélène Breault

Marie-Hélène Breault se distingue par sa polyvalence, sa créativité et l’excellence de son travail comme flûtiste, compositrice-arrangeuse, productrice et pédagogue.

Comme flûtiste, elle se démarque par son expressivité, sa sonorité ample et raffinée, sa technique impeccable et la justesse de son jeu. Au fil des ans, elle s’est produite comme soliste avec la Société de musique contemporaine du Québec (SMCQ), l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM) et l’Orchestre symphonique de Montréal. On a aussi pu l’entendre au sein de différentes formations orchestrales ou chambristes, touchant tantôt le répertoire classique et contemporain, tantôt la musique du monde, la musique populaire et la comédie musicale. Elle a également enregistré pour différentes compagnies canadiennes, notamment Collection QB (DAME), Empreintes DIGITales, Atma, Centredisques, Simone Records et l’ONF.

Marie-Hélène Breault œuvre aussi dans le milieu musical comme compositrice-arrangeuse. Plusieurs collaborations jalonnent son parcours, notamment avec les compositeurs Martin Bédard et Katia Makdissi-Warren. Sans délaisser la co-création, elle migre actuellement vers une pratique d’écriture en solo, qui se déploie dans différents projets de composition et d’arrangement. Marie-Hélène Breault est aussi active comme productrice et directrice artistique indépendante. Ses projets bénéficient régulièrement du financement du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec et certains se sont mérités divers honneurs, au Québec et à l’étranger.

Titulaire d’un Prix avec grande distinction en flûte et en musique de chambre du Conservatoire de musique du Québec et d’un Artist Diploma de Yale University, Marie-Hélène Breault détient également deux doctorats – l’un en interprétation musicale, l’autre en musicologie – de l’Université de Montréal, de même qu’un postdoctorat en recherche-création de l’Université Concordia. Elle enseigne présentement la flûte, la littérature musicale et la formation auditive au Cégep Marie-Victorin. Elle enseigne aussi la flûte à l’Université du Québec à Montréal (UQAM) et à l’École secondaire Joseph-François-Perreault.

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Programme

Replica (2012-2013) 14’42”
Marie-Hélène Breault et Martin Bédard

À Suzanne
Le projet Replica est sous-tendu par l’opposition existentielle entre continuité et transformation contenue dans la maxime «Eadem mutata resurgo» ou «Je renais changé à l’identique». La pièce est conçue essentiellement à partir de sons de flûte, principalement de vieux enregistrements de l’interprète et de nouveaux matériaux générés lors d’une première écriture instrumentale. La réplique de ces matériaux par une deuxième écriture sur support crée divers tableaux au sein desquels sont interprétés, d’une part, l’instrument et son potentiel expressif, et d’autre part, l’interprète et son histoire.
Dans Replica, la relation dichotomique entre continuité et transformation se décline en quatre modalités compositionnelles: le contraste entre le son instrumental pur et le son recomposé; la conception de nouveaux matériaux à partir de vieux enregistrements; la transformation progressive des motifs et objets sonores basée sur la répétition; et la duplication de l’instrumental par l’électro. Sur le chemin vers l’utopie instrumentale, le projet a pris la forme d’une œuvre acousmatique.

Antoine Lussier

Antoine Lussier se passionne pour la musique et l’enregistrement depuis son plus jeune âge. Guitariste et compositeur, il a enchaîné durant plusieurs années des tournées internationales avec son groupe Ion Dissonance, mais également au sein de formations pop, rock, hip-hop, classique, blues et tzigane. Grâce à ses contributions significatives au sein de la scène internationale avec Ion Dissonance, Antoine a été commandité par de nombreuses compagnies primées telles que Ibanez, Mesa Boogie, Peavey, Vader et Dickies Clothing.
Actuellement ingénieur du son et producteur, il excelle aussi bien dans la réalisation que dans l’enseignement. Il explore avec passion la composition acousmatique et œuvre dans différents secteurs de la musique à l’image, incluant la sonorisation de courts métrages et la création musicale et sonore orientée pour les jeux vidéo.
Diplômé d’un baccalauréat en musiques numériques de l’Université de Montréal, Antoine poursuit ses études supérieures en recherche-création au sein de ce même établissement. Son dévouement pour la recherche se manifeste dans son désir d’approfondir les fonctions d’un instrument essentiel à son parcours : le studio d’enregistrement.

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Programme

Choose Wwisely [Performance] (2025) 11’21”

Cette étude a été réalisée dans le cadre de mes recherches en maîtrise. Le but de cette pièce est d’explorer les possibilités créatives de l’engin d’intégration audio Wwise afin de bâtir une performance musicale expérimentale. Les matériaux sonores utilisés sont constitués de sons de synthèse et de prises de son que j’ai d’abord traités dans ma station audio numérique, pour ensuite les implémenter dans Wwise afin de créer une structure pour la pièce. Il fut rapidement constaté que non seulement il était facile d’inscrire ces sons dans une certaine temporalité grâce à Wwise, mais qu’il était également possible de créer de nouveaux matériaux utilisables au sein même de l’engin.

Louis Dufort

Louis Dufort est un compositeur montréalais. Ses productions sont nombreuses et de factures multiples: support fixe, mixte avec traitement et musique visuelle. Il reçoit plusieurs commandes de divers ensembles et organismes de musique: Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ), Société de musique contemporaine du Québec (SMCQ), Réseaux, Chants libres, Codes d’accès, Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), EMPAC, Quasar, Quatuor Bozzini, Sixtrum, Radio-Canada et le ZKM. Depuis 1996, il collabore également étroitement avec la chorégraphe Marie Chouinard en composant un nombre important de ces créations. Parallèlement à son travail de créateur, Louis Dufort enseigne la composition au Conservatoire de musique de Montréal et est le directeur artistique du festival Akousma.

•• En février 2018, il reçoit le Prix Opus 2016-17: Directeur artistique de l’année pour sa direction du festival Akousma 13.

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Programme

Monts Valin (20) 11’37”

À partir de prises de son, cette pièce s’inspire d’une collection de moments prégnants vécus lors de mes nombreuses randonnées pédestres aux Monts-Valin situés au Saguenay.  Ces moments présentent une large palette d’états de conscience qui vont de la jouissance pure, à la fébrilité grisante, le tout sous-tendu par la beauté et la complexité holistiques de la nature.  Ce qui me fascine également est qu’indépendamment de mes états de conscience, la forêt demeure souveraine, elle est là, neutre et abstraite, exposant sa beauté à travers sa lumière, ses couleurs, ses textures, ses mouvements et ses sons. Conséquemment, la forêt devient musique.

Monts-Valin a été composé sur le système octophonique du centre d’expérimentation musicale de Chicoutimi lors d’une résidence et de mentorat (Achicoutimatique) et créer au même endroit le 12 août 2021. Depuis, l’œuvre a été retravaillée pour une spatialisation sur 16 haut-parleurs.

Pauline Patie

Pauline Patie est une artiste multimédia et compositrice de musique électroacoustique française basée à Montréal. Récemment diplômée d’une maîtrise au Département de musique numérique de l’Université de Montréal, elle s’est spécialisée dans la performance audiovisuelle et la conception de systèmes de composition explorant les interactions dynamiques entre le son et l’image.
Son travail a été salué à de nombreuses reprises tout au long de son parcours. Elle a reçu le prestigieux Prix Marcelle-Deschênes de l’Université de Montréal en 2021 et obtenu des mentions honorables lors de compétitions internationales de musique électroacoustique en 2022, notamment à MusicaNova en Tchéquie et à la Fondation Destellos en Argentine. Elle a également remporté le premier prix dans la catégorie acousmatique au concours MA/IN 2022 en Italie et figure parmi les finalistes du Prix Russolo 2023. Ses œuvres ont également été mises à l’honneur par le label londonien RMN Classical.

En parallèle de ses activités artistiques, Pauline est assistante d’enseignement en composition acoustique et électroacoustique, partageant sa passion et ses connaissances avec des artistes émergents. Elle occupe également le poste de vice-présidente de la Communauté électroacoustique canadienne (CEC), où elle s’investit activement dans le décloisonnement et la valorisation de la scène électroacoustique.
Attirée par l’exploration des états de transe, Pauline crée des œuvres qui mêlent inconfort et apaisement, intégrant les lois de la physique dans ses systèmes de composition. Elle s’interroge sur les réactions subtiles et mystérieuses du corps face à l’immersion sonore et sur la manière dont cette expérience influence les habitudes perceptives des auditeurs.


Programme

Surtitré (20) 10’17”

«Le silence renferme toutes les vérités; la parole porte tous les mensonges.» — Jacques Ferron

Allié ou traître, Le langage musicalise la richesse de la pensée. Combien y a-t-il de possibilité au langage pour dire la même chose? Combien de mots sont-ils nécessaires pour ne rien dire? Le mot est-il seulement capable en son chant d’offrir de la liberté à notre pensée? J’ai exprimé cette idée par la contraction et la détente du son: une représentation formelle de l’articulation des mots, se débattant des méandres de la pensée.

Prix

PRIX OPUS 2001-2002: "Diffuseur de l’année"

PRIX OPUS 2003-2004: "Concert de l’année — Musiques actuelle, électroacoustique": Rien à voir (14) — Luigi Ceccarelli

PRIX OPUS 2004-2005: "Concert de l’année — Musiques actuelle, électroacoustique": Akousma 1 — Theresa Transistor

PRIX OPUS 2005-2006: "Concert de l’année — Musiques actuelle, électroacoustique": Akousma 2 — Alter ego: Pierre Alexandre Tremblay

PRIX OPUS 2009-2010: “Concert de l’année – Musiques actuelle, électroacoustique”: Akousma 6 – Éclats de vie: Chantal Dumas, Lionel Marchetti

PRIX OPUS 2011-2012: "Concert de l’année — Musiques actuelle, électroacoustique": Akousma 8 - Soirée «sens_action»: France Jobin

PRIX OPUS 2016-2017 "Directeur artistique de l'année": Louis Dufort

PRIX OPUS 2021-2022 "Mention spéciale" pour la captation de la pièce No Age, Know Age, News Age Music, de Jesse Osborne-Lanthier (Akousma 17)