Concours de composition JTTP 2024

Le concours Jeu de temps / Times Play de Communauté électroacoustique canadienne (CEC) met en valeur de nouvelles œuvres électroacoustiques produites par des compositeurs, compositrices et artistes sonores, jeunes ou émergent.e.s, du ou vivant au Canada.

Mikael Meunier-Bisson (ca)

Mikael Meunier-Bisson est un compositeur de musique expérimentale et électroacoustique montréalais. Ce n’est qu’aux alentours de 2020 que son attention se pose sur la composition de musique ambiante et de texture. Cette pratique autodidacte s’est rapidement complexifiée grâce aux dernières années de flirt avec les techniques acousmatiques. Son travail récent cherche à se sortir de la “localité” de l’ambient en travaillant le “global”, à explorer la tonicité sur un mode abstrait, pour ultimement rejoindre les affects, le ressenti, par des combinaisons de méthodes qui nous sont encore peut-être inconnues. Il poursuit depuis 2023 des études au baccalauréat en Musiques Numériques à l’Université de Montréal. Sa pièce “musicfriend” fut composée sous la direction de Martin Bédard à l’hiver 2024.

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Programme

musicfriend (2024) 8’00”

Faisant l’objet de rencontres franches entre plusieurs tableaux, musicfriend est l’aboutissement de multiples réorganisations. Teintée d’une matériologie suggestive, à fort accent, la rhétorique de ce projet est parsemée de doutes, d’essais, d’erreurs, dans un va et vient continu entre le référentiel, l’onirique et le ludique.

Crédit : Aidan Potter

Vivian Li (cn/ca)

Vivian Li est une artiste interdisciplinaire basée à Tiohtià:ke/Montréal, travaillant principalement dans le domaine du son et de la musique. Animée par une fascination pour les propriétés thérapeutiques et temporelles du son, sa musique combine des mélodies hypnotiques, des ambiances synthétiques apaisantes, des enregistrements de terrain autobiographiques et des textures bruiteuses pour explorer des moments d'introspection et d'intimité.

Elle a joué et présenté son travail dans des lieux et festivals nationaux et internationaux, tels que MUTEK (Montréal), Pique (Ottawa), Sound Art Lab (Struer), Inkonst (Malmö), Eastern Bloc (Montréal), perte de signal (Montréal), Kwia (Berlin), Fondation Phi x Nuit Blanche (Montréal), Hectolitre (Bruxelles) et Karachi Biennale.

Depuis 2021, Vivian anime une émission de radio mensuelle - Lo Signal - sur la station de radio communautaire de Montréal CKUT 90.3fm. Ce créneau de deux heures sert de terrain de jeu sonore où elle partage ses fragments ambiants, enregistrements de terrain, drones, montages expérimentaux et journal audio.


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Programme

Memory Playback (2024) 7’00”

Cette pièce explore le potentiel du son à préserver et ressusciter les souvenirs. Profondément autobiographiques, la plupart des enregistrements proviennent du parcours personnel de la compositrice. Dans ce paysage auditif, des fragments d'intimité et de souvenirs refont surface, de manière distordue, presque distante, oscillant à la limite de la désintégration totale. Alors que ces bribes du passé se superposent, elles créent de nouvelles images et sensations, transcendant en « hyper souvenirs » (Maria Chávez, 2020).

Lauréate du Concours de Composition Acousmatique petites formes 2024.

Crédit : Aidan McMahon

Byron Westbrook (us)

Byron Westbrook, arrivé sur la scène musicale expérimentale new-yorkaise au cours de la dernière décennie et désormais basé à Los Angeles, tisse des tapisseries sonores complexes qui relient les mondes de l’art sonore, de l’installation, de la musique électronique d’avant-garde et de la synthèse.

Westbrook crée des compositions sculpturales et immersives. Ses albums, très acclamés, ont été publiés sur des labels comme Root Strata, Hands In The Dark, Umor Rex et Ash International, et il a présenté son travail au Walker Art Center, à l’ICA de Londres, au MOCA de Los Angeles, au MoMA PS1, au MaerzMusik et aux festivals Rewire, entre autres. Son dernier album, Translucents, a été publié par Shelter Press en 2024.

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Programme

Translucents (Remix) (2024) 20’00’’

Inspirée des panneaux de couleurs du peintre abstrait Blinky Palermo, Translucents explore le concept de «l’image sonore rémanente». L’œuvre présente une série de scènes sonores, avec l’intention de s’imprimer dans l’esprit de l’auditeur afin d’influencer la façon dont chaque scène consécutive apparaît. Elle expérimente une dynamique entre la perception de la présence dans l’espace où l’on écoute et la perception d’un espace ou d’un lieu extérieur. Il s’agit d’un jeu avec la mémoire, avec la présence et avec le temps. Translucents est présentée ici sous une forme « Remix » différente de sa version publiée, en exclusivité pour Akousma.

Crédit : Élise Durant

Pierce Warnecke (us/fr)

Pierce Warnecke travaille à la fois dans les domaines sonores et visuels. Ses projets, à la frontière entre la musique expérimentale, les arts numériques et la vidéo, sont influencés par les effets du temps sur la matière et les limites de l'expérience sensorielle.  Il présente son travail sous forme de performances, de concerts et d'installations à Rewire, CTM, Elektra, Mutek, ZKM, etc. Il est co-commissaire du label et du festival Emitter Micro (Berlin) et du Signal Festival (Drome). Sa musique a été publiée sur Raster (DE), Room40 (AU) et Contour Editions (US), et il est représenté par l'agence DISK à Berlin.

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Programme

Sonopeutic Smooth Sailing (2024) 21’34”

Sonopeutic Smooth Sailing, sorti sur Raster, est une refléxion semi-sérieuse sur le développement personnel à travers des paysages sonores concrets, chaotiques et imprévisibles. Pour Akousma, une version multicanal condensée de l'album est proposée.

La musique ici est hautement traitée. Elle démarre avec une palette de sons électroniques simples et reconnaissables (808/909, synthétiseur modulaire simple et patchs max génératifs), mais qui est ensuite improvisée, éditée et découpée autant que possible, pour proposer une musique qui, avec un peu de chance, fausserait toute base de données sonore IA dans laquelle elle pourrait avoir le malheur de tomber.

Cet album devrait être écouté comme une sorte de programme de 'self-help' sonore raté qui aurait pu permettre à l’auditeur de s'entraîner à approfondir sa patience et son attention grâce au pouvoir du son extrême.

Ana Dall’Ara-Majek (fr/ca)

Ana Dall’Ara-Majek est une compositrice et artiste sonore vivant à Montréal. Elle s’intéresse à l’interaction des pensées instrumentale, électroacoustique et informatique dans la composition musicale. Ses thématiques préférées sont les micro-organismes et les paysages abstraits-concrets. Elle est active dans les domaines de la composition électroacoustique/mixte et la performance de musique électronique en temps réel. Elle joue régulièrement comme Théréministe dans l’ensemble ILÉA et le duo blablaTrains. Ses disques ont été publiés chez Kohlenstoff Records et Empreintes DIGITALes, et ses partitions chez Babel Scores et aux éditions Henri Lemoine.

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Programme

Mare Buchlae (2023) 11’53”

Entrée en matière du cycle 'Radiolaria', cette pièce propose une plongée où nous passons du monde des humains à celui des organismes sous-marins. Il s'agit d'une exposition qui fait entendre toutes les familles de sons représentant les espèces peuplant le plancton, et qui seront explorées tout au long du cycle. Le défi était de recréer un environnement sous-marin uniquement avec des sons de synthèse, en passant progressivement de prises de son de l’océan vers un paysage entièrement composé avec les sons du synthétiseur modulaire Buchla 200.

Estelle Schorpp (fr/ca)

Estelle Schorpp est une artiste sonore, compositrice et chercheuse française basée à Montréal, active dans le domaine de la musique expérimentale et de l'écologie sonore.

Elle utilise les outils et les méthodes de la recherche-création pour mettre en place des projets qui posent un regard critique et créatif sur notre relation avec l'environnement sonore. Intégrant des concepts issus de disciplines telles que l'écologie sonore, les sound studies, la théorie des médias, l'histoire des sciences, l'acoustique et la psychoacoustique, son approche polymorphe combine la performance, l'installation sonore et la composition algorithmique, ainsi que la communication académique et la rédaction d'articles scientifiques.

Ses paysages sonores immersifs et en constante évolution, caractérisés par leurs sonorités brillantes et l'utilisation d'enregistrements de terrain, offrent une expérience à la fois physique et intellectuelle où l'écoute est centrale.

Depuis 2022, elle enseigne à la Faculté de musique de l'Université de Montréal (CA).

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Programme

A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine (2023) 20’00

Grâce à l'utilisation d'archives d'enregistrements d'oiseaux datant des années 1930, cette performance explore les relations historiques et sonores entre les oiseaux, les humains et les technologies de reproduction sonore. À la fin du XIXe siècle, Eldridge Johnson, directeur de Victor Records, disait du phonographe qu'il « sonnait comme un perroquet partiellement éduqué avec un mal de gorge et un rhume de tête » (Johnson, cité dans Recorded Music in American Life, de William Kenney). C'est ce même phonographe que Ludwig Koch a utilisé en 1889 pour réaliser le premier enregistrement d'un shama à croupion blanc dans un zoo de Francfort. De cette comparaison est née l'idée d'établir un dialogue créatif entre les technologies de reproduction du son (anciennes et nouvelles) et les chants d'oiseaux.

La performance recontextualise l'histoire des enregistrements de chants d'oiseaux en mêlant archives documentaires, disques shellac, gramophone et technologies algorithmiques interactives contemporaines. Le projet met l'accent sur un va-et-vient dynamique entre plusieurs types de discours (documentaires et fictifs), de technologies (ordinateur et gramophone), de gestes et de sons (chants d'oiseaux et artefacts technologiques). Ce faisant, A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine propose une expérience sonore immersive dans laquelle les oiseaux, les machines et les humains font de la musique ensemble.

Frédéric Janelle (ca)

Né à Sherbrooke en 1981, Frédéric déménage à Montréal en 1999 pour y étudier la composition musicale assistée par ordinateur. Il débute ensuite une carrière en sonorisation et, de 2006 à 2009, étudie la composition électroacoustique au Conservatoire de Musique de Montréal. Il puise son inspiration dans la technologie et sa vision du futur.


Programme 

L’Oracle (2024) 8’41”

Les visions de l’Oracle.

Crédit  : Frédéric Janelle

Monique Jean (ca)

Je suis toujours à la recherche d’une matière sonore prégnante, rêche et énergétique, dans l’idée que la matérialité des sons donne accès à la sensation, et génère à la fois du sensible et du sensé.

Plus précisément, mes recherches impliquent la spatialisation sur dôme de haut-parleurs, les métamorphoses continues du flux sonore ainsi que l’imprévisibilité et l’imperfection dont le vivant a le secret et que je retrouve dans l’improvisation sur mon dispositif no-input du projet Miss Take.

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Programme

Tumultes 15’ (2024)

Malgré les barrages, murs, censures et autres verticalités qui découpent l’horizon du quotidien, persister à demeurer à l’écoute en tentant de se frayer un chemin jusqu’à toi - ici ou ailleurs, dans le près ou le lointain.

Inspirées des œuvres de d’Adania Shibli (Un détail mineur) et d’Antoine Wauters (Mahmoud ou la montée des eaux).

Réalisé avec le soutien du programme Recherche et exploration de PRIM et du CAC.

Horacio Vaggione (ar/fr)

Horacio Vaggione (Argentine, 1943), vit à Paris depuis 1978. Etudes de composition à l'Université Nationale de Cordoba, puis doctorat en musicologie à l'Université de Paris VIII. Études d'informatique musicale à l'Université de l'Illinois (1966). Co-fondateur du Centre de Musique Expérimentale de l'Université de Cordoba (1965-68), membre du groupe de musique électronique ALEA de Madrid (1969-73), il a travaillé en France à l'IRCAM, à l'INA-GRM, au GMEB. Résident à Berlin (DAAD, 1987-1988). Entre 1989 et 2012 il a été professeur titulaire (composition et recherche) à l'université de Paris VIII, où il est actuellement professeur émérite.

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Programme *

Gymell I (2003) 9’20 suivi de Gymell III (2024) 16’00

On peut penser le principe actif (corpusculaire) de ces Gymel en s’inspirant des mots de Bachelard (1932) : «Le corpuscule n’a plus de réalité que la composition qui le fait apparaitre».

Et encore : «Autant dire que l’existence du corpuscule a une racine dans tout l’espace».

Ceci explique non seulement l’irréalité du corpuscule — s’il n’est pas habité par la composition — mais aussi la réalité de l’espace où il apparait en tant que continuité.
Quant aux oeuvres : Gymel I a été produit en 2003 au studio du CICM, Université de Paris VIII. Il a engendré par la suite plusieurs avatars, dontGymel III, créé récemment, en 2024, à l'ICST (University of the Arts) de Zürich.

Les deux Gymel réunies ici sont donnés en création canadienne.

* Pour des raisons hors de notre contrôle, les œuvres seront spatialisées par le compositeur et directeur artistique du festival, Louis Dufort. L’équipe du festival souhaite un prompt rétablissement à M. Vaggione. 🫶

Florence-Delphine Roux (ca)

Florence-Delphine Roux est une artiste numérique et sonore originaire de la ville de Québec et basée à Tiohtà:ke/Montréal. Son travail explore l’intersection entre l’art, la science et la technologie, avec une orientation vers le médium radiophonique. Ses créations se manifestent sous forme d’expériences d’écoute, d’installations sonores immersives, de performances, de vidéos d’art et d’œuvres radiophoniques.

Porté par une pratique liée au son, qui trouve en particulier sa source dans une matière emmagasinée à partir d’enregistrements effectués en grande partie en extérieur, la travail de Florence-Delphine Roux tient pour beaucoup d’une réflexion basée sur la possibilité de jouer avec des textures non perceptibles de manière rétinienne, des champs électromagnétiques notamment, participant ainsi d’une perturbation du réel.

Avec la volonté de développer une pratique de la fiction, l’artiste investit également le champ de la production radiophonique, avec comme ambition l’élaboration d'un « cinéma pour l’oreille ». “

Texte Frédéric Bonnet

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Programme

Cime (2024) 11’00

Cime propose une ascension disruptive dans le paysage sonore de l’un des sommets les plus mystérieux du Québec, le Mont-Saint-Hilaire. Inscrit dans l’imaginaire collectif des habitants de la Montérégie, ce mont a inspiré un grand nombre de légendes, dont les mythes perdurent, nourris par de nouvelles croyances liées au paranormal. L’artiste naviguera entre captation de paysage sonore ambiphonique, très basse fréquence radio naturelle, et synthèse analogique et granulaire.

Cette œuvre puise dans des archives phonographiques réalisées dans le cadre d’un projet de recherche performatif sur la littératie extrasensorielle et l’écoute disruptive du territoire de la Réserve Naturelle Gault.

                           

Shane Turner (ca)

Shane Turner fait usage des propriétés fluides de l'art acousmatique afin de créer des expériences qui vont à l’encontre de l'essentialisme. Sa pratique comprend des compositions individuelles et collectives, des bandes sonores, des œuvres de nature installative ainsi que des performances électroniques en direct. Son travail a été diffusé par le netlabel Panospria sous Notype, par la CEC et a été présenté dans divers festivals, dont Mutek. Turner a étudié la composition musicale électroacoustique à l’Université Concordia.

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Programme

rumors, approximated (2024) 10’00

rumors, approximated est une exploration de la synthèse sonore, du chant (Simone Pitot/Delorca) et d'un modèle conjuguant les deux.

Cartographier la discordance sensorielle : dissolution et resynthèse perpétuelle des sens, événements vécus lors du passage entre régimes sensoriels contradictoires au cours d'une année particulièrement dynamique. Des écosystèmes d'information complets alimentés par des algorithmes privés, reflétant et modelant leurs sensoriums permissibles, sont entrés en collision frontale, pendant que des schismes culturels surgissaient sur les assises de formes d’expressions anciennes et inédites.

Marie Anne (ca)

Marie Anne (elle) est une compositrice et claviériste basée à Montréal. Sa pratique se concentre sur la performance électroacoustique, l'installation sonore et l’utilisation du journal sonore comme méthode compositionnelle. En parallèle, elle s’intéresse à la médiation de la musique électroacoustique. Avec le soutien financier de l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM) et de l’Observatoire des médiations culturelles (OMEC), elle est actuellement à la maîtrise en création sonore à l’Université de Montréal. Sa performance Éphémérides a reçu le prix Martin-Gotfrit-Martin-Bartlett dans le cadre du concours Jeu de temps/Times play (JTTP) en 2021. 

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Programme

Solace (2023) 20’00”

Solace : terme anglais signifiant une source de réconfort, d’apaisement, l’action d’aller vers cet état.

Cette performance tente de trouver un chemin vers le solace, autant pour la musicienne que pour le public. La personne sur scène fait entendre les multiples sons de son univers intérieur en recréant en temps réel ses paysages sonores internes.

Cette oeuvre a été composée dans le but d’être jouée auprès des publics en maison de retraite en collaboration avec l’OBNL Cosimu.

Atte Elias Kantonen (fi)

Atte Elias Kantonen est un concepteur sonore et compositeur basé à Helsinki qui travaille dans les domaines de la musique expérimentale et des arts du spectacle.

Dans sa pratique, Kantonen explore le potentiel de la synthèse élastique et du son traité à l’extrême comme vecteurs d'une narration abstraite et fantasmagorique. En construisant des dioramas émotionnellement sonores, il crée des compositions où la sérénité et la discordance se superposent constamment. Il a publié des œuvres sur des labels tels que SODA GONG, kappa et SUPERPANG.

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Programme

a path with a name [a reimagined reprise] (2024) 18’00

a path with a name (a reimagined reprise) est une composition basée sur les intrigues sonores de l'album "a path with a name" (SODA GONG, 2023).

La composition poursuit la quête de l'album : dessiner des chemins qui zigzaguent à travers l'herbe numérique, les flaques de rosée synthétiques et les nuages de brume sonore.

Ludwig Berger (de)

Ludwig Berger est  musicien, commissaire et artiste du paysage sonore. Dans ses compositions, installations et performances, il permet des rencontres sonores avec des plantes, des animaux, des bâtiments ou des entités géologiques. Il est diplômé en composition électroacoustique, ainsi qu’en musicologie, en histoire de l’art et en littérature. En tant que chercheur et enseignant à l’Institut d’architecture paysagère de l’ETH Zurich, il a étudié la dimension sonore des glaciers alpins et des infrastructures hydrauliques. Son travail a été présenté au GRM Paris, à Ars Electronica et à la Biennale de Venise. Il s’est récemment installé à Montréal après avoir vécu à Zurich et à Milan.

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Programme

Garden of Ediacara (2024) 20’00

L’éco-fiction musicale Garden of Ediacara dévoile un écosystème spéculatif à travers des voix synthétisées, des instruments de modélisation physique et des enregistrements microscopiques sur le terrain. Imprégné de techniques narratives issues de la science-fiction et de la fantasy, Ludwig Berger entremêle l’écriture mélodique et la conception sonore électroacoustique. Le projet fait allusion à la période géologique d’Ediacara, il y a 600 millions d’années, un écosystème sous-marin paisible habité par des créatures à corps mou, sans yeux ni os, qui ont été complètement anéanties par l’apparition d’une nouvelle espèce. Garden of Ediacara (sorti sous forme d’album sur -OUS) célèbre à la fois les plaisirs de la biodiversité et le deuil de sa perte inévitable.

Julien Racine (ca)

Le compositeur, ingénieur du son et producteur montréalais Julien Racine, connu sous le nom de Racine, a fait paraître cinq albums, dont le plus récent, Boue, est sorti en mars 2024 sous le label tchèque Gin & Platonic. Quelque chose tombe, lancé en 2020 sur Danse noire, a été largement salué par les médias internationaux, lui donnant l'opportunité de se produire sur scène lors d'une tournée européenne au printemps 2020, ainsi qu’à MUTEK Montréal. Tout au long de sa carrière, Racine a également composé des musiques et créé des ambiances sonores pour plusieurs films qui ont été diffusés dans de nombreux cinémas, festivals et galeries. Il fait partie du duo Corporation avec Keru Not Ever et, ensemble, ils animent l'émission Scène sur la plateforme HKCR. Ils ont également publié l'album “Graffito” sous le label tchèque Genot Centre.

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Programme

Hamelin (2023-2024) 20’00

Dans le village de Hamelin, un mystérieux joueur de flûte s’essouffle à travers le tumulte malheureux d’un quotidien de misère, ravagé par la peste bubonique. Sa musique débarrasse le village désespéré de ses nuisibles. Or, les villageois refusant de le récompenser, le joueur de flûte joua à nouveau. Cette fois-ci, ce ne furent pas les rats, mais tous les enfants du village qui le suivirent hors des murs, disparaissant à jamais.

Dans cette pièce futuro-médiévale, Racine crée une bande sonore anachronique se situant entre l’électroacoustique, le noise, et la musique de film. La pièce a commencé à prendre forme en 2023 et continue d'évoluer depuis lors.

Olivier Alary (fr/ca)

Olivier Alary, né en France et basé à Montréal, est un compositeur connu pour son vaste répertoire incluant des albums, des bandes sonores de films, de la musique pour la danse et des installations d’art contemporain. Formé en architecture, arts sonores et composition instrumentale, Olivier mêle des éléments acoustiques et électroniques afin d’explorer les frontières entre la musique expérimentale, populaire et contemporaine. Influencées par le noise, la musique baroque et le post-minimalisme, ses compositions entrelacent de façon complexe divers approches sonores. Depuis une vingtaine d’année, il a collaboré notamment avec Björk, Nick Knight, Cat Power et Doug Aitken. Ses œuvres sont sorties sur les labels tels que Rephlex, Fatcat Records, 130701 et LINE. Depuis 2007, il a aussi créé la musique d’une cinquantaine de films, remportant de nombreux prix, dont ceux des festivals de Venise, Sundance et Cannes.

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Programme

Présences imaginées (2024) 15’10

Que restera-t-il de notre époque après notre disparition? Une entité artificielle tente de se souvenir de notre existence.

Présences imaginées est la première œuvre d'une série de compositions qui cherchent à capturer l'empreinte sonore de notre civilisation contemporaine, telle qu'elle pourrait être perçue et reconstruite par une machine intelligente. L'intégralité du matériau sonore et musical de cette pièce a été générée par un réseau de neurones artificiels, puis composée comme une œuvre acousmatique classique, avec un minimum de traitements sonores afin de préserver la qualité unique des sons générés.

Felisha Ledesma (us/se)

Felisha Ledesma est une artiste sonore et musicienne actuellement basée à Malmö, en Suède. Une palette distinctement chaleureuse et organique imprègne le travail de Ledesma, chaque instant se déployant lentement dans une expérience auditive intime. Les inspirations du quotidien sont distillées dans des souvenirs sonores qui invitent à une écoute méditative et profonde.

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Programme

Uppender (2024) / 20’00

Uppender a été commandée pour Ina GRM Focus en 2024. Uppender a été créée en utilisant une version multicanal mise à jour de l'AMQR, un synthétiseur logiciel créé en collaboration avec Ess Mattisson.

1^er prix du concours de composition JTTP 2023 

Le concours Jeu de temps / Times Play de Communauté électroacoustique canadienne (CEC) met en valeur de nouvelles œuvres électroacoustiques produites par des compositeurs, compositrices et artistes sonores, jeunes ou émergent.e.s, du ou vivant au Canada.

Julie Delisle (ca)

Julie Delisle est compositrice, chercheure multidisciplinaire spécialisée en technologies audio et flûtiste. Diplômée de la Hochschule für Musik Freiburg et du Conservatoire de musique de Montréal, titulaire d’un doctorat en musicologie (PhD) de l’Université de Montréal et ex-stagiaire postdoctorale au Music Perception et Cognition Laboratory (Université McGill). Sa musique est teintée par ses recherches sur le timbre instrumental et son intérêt pour le sound design, les arts martiaux chinois et les mathématiques.

Programme

Pipa Aura Suichi (2023) 11’03”

Pipa aura Suichi a été entièrement composée à partir de sons provenant de l’instrumentarium de Jean-François Laporte (Productions Totem Contemporain). Il m’est apparu que les matériaux choisis, grâce à leurs possibilités articulatoires, se comportaient souvent de manière à provoquer des réactions en chaîne. Les sons, pris en dehors de leur contexte instrumental dans une sorte de schizophonie, obéissent aussi à une temporalité particulière qui se déploie au fil des déclenchements, des attaques, des résonances et des propulsions, à la manière des machines incroyables de l’émission japonaise Pitagora Suichi.

Francis Dhomont (fr)

Ardent exégète de la modalité acousmatique, son oeuvre est, depuis 1963, exclusivement constituée de pièces sur support qui témoignent d’un intérêt constant pour une écriture morphologique et pour les ambiguïtés entre le son et l’image qu’il peut susciter.

Grand Prix Mega-Hertz 2013 (Allemagne), Docteur Honoris causa de l’Université de Montréal. Prix SACEM 2007 de la meilleure création contemporaine électroacoustique. Bourse de carrière du Conseil des arts et des lettres du Québec (2000).

De 1978 à 2004, il a partagé ses activités entre la France et le Québec, où il a enseigné à l’Université de Montréal de 1980 à 1996. Il vit aujourd’hui à Avignon (France) et se consacre à la composition et à la réflexion théorique.

Le premier concert de Réseaux des arts médiatiques (Akousma) a été donné le samedi 2 novembre 1991 à la Chapelle historique du Bon-Pasteur. C’était un concert de Francis Dhomont, qui célébrait alors ses 65 ans.

Ses œuvres chez electrocd

Programme

SOMME TOUTE (2022) 14’30”
spatialisation par Louis Dufort

À Annette Vande Gorne

Regard/écoute d’un parcours de plus de cinquante ans et de plus de quatre vingt dix opus. Rappel, bilan nostalgique, synthèse, aboutissement peut-être.

Cette libre abstraction, introduite par mes derniers choix d’écriture, est le témoignage d’un long cheminement au fil des successives découvertes qui constituent ma contribution au riche répertoire acousmatique. Aussi fait-elle allusion à dix huit de mes œuvres-jalons, témoignages temporels qui pourraient résumer l’évolution de ma pensée et de mon langage. FD

Commande de Musiques & Recherches composée dans le studio du compositeur à Avignon (France).

Mourad Bncr (ca)

Artiste multimédia basé à Tiohtiá:ke/Mooniyang (Montréal).  Le travail sonore et visuel de Mourad Bncr s’inspire du concept de mémoire éphémère. Ses créations imprégnées de beat-music laissent une grande place à la texture et au détail, établissant des liens entre son héritage culturel nord-africain, des univers empreints de science-fiction et une fascination pour l’obsolescence technologique.

Au fil des années, il a mené une carrière professionnelle prolifique en tant que formateur et concepteur sonore spécialisé dans la création d’environnements immersifs, l'audio spatialisé et la réalité mixte.  Mêlant prise de son réelle, instrumentation, synthèse sonore et techniques de microsampling, son langage musical s’approprie la notion d’espace de façon singulière et se rapproche de la composition cinématographique. 

Son EP UNREST, sorti chez Unlog en 2021, se veut une synthèse de ce parcours, une transition assumée vers une nouvelle couleur musicale.

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Programme

Le monde après nous (2020-23) 19’33’’

Le monde après nous ; la part de nous qu’on abandonne aux endroits que l’on traverse.

Entre hantologie et fragments de mémoire sonore synthétique, ce triptyque s’inscrit dans le prolongement de la pièce UNREST, sortie en 2021 chez Unlog sous le projet [indistinct voices over PA]. Méditatifs, parfois abrasifs, ces trois tableaux se veulent des arrêts sur image à la fois immatériels et habités qui confrontent notre rapport à l’espace, des lieux imaginaires hantés par nos inconscients collectifs passés et futurs.

Cet ensemble doit son nom au film éponyme du cinéaste Nicolas Lachapelle sorti en 2020, documentaire de création et réflexion cinématographique sur l’esprit des lieux et dont Mourad a composé la trame sonore. Les deux artistes ont également collaboré sur le court métrage Zug Island (2022).

Guillaume Côté (ca)

L’artiste sonore Guillaume Côté explore, à travers un mélange de matériaux concrets, synthétiques et vocaux, les dynamiques territoriales, linguistiques et sociales propres au Québec.

Éclectique, sa recherche artistique repose non seulement sur la rencontre de l'Autre par un discours musical aux visées narrative ou informative, mais aussi sur l'abstraction induite par les systèmes modulaires.

Avide de collaborations, il est cofondateur de la boîte de création audionumérique Trames, du collectif Falaises et Aubes, en plus d'occuper le poste de responsable technique-artistique au centre Avatar à Québec au Canada.

Discrete Stream of Light, sortie en 2023, est sa première parution solo.

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Programme

Discrete Stream of Light (2022) 20’

Des motifs arpégés, des répétitions hypnotisantes, le tout à portée d'un discret flux de lumière.

Pièce-fleuve de 20 minutes, contenant quatre mouvements distincts. Initialement enregistrée en temps réel, sans modifications ultérieures, la version présentée à AKOUSMA reprend le même principe de spontanéité, tout étant joué en temps réel, sans bande.

Roxanne Lacasse (ca)

Roxanne Melissa Guerra-Lacasse née un mercredi le 30 mars 1994, artiste multidisciplinaire, grandit au Québec près de la Métropole entre deux cultures : québécoise et mexicaine. Dans son cheminement, les arts sont au cœur de son parcours: elle étudie en théâtre à l'Université Laval et en composition électroacoustique au Conservatoire de musique de Montréal. La question de l'Amour l'inspire énormément et ce thème est un moteur à ses créations. Après ses études, elle se consacre à son OBNL: Angle Psy qu'elle a co-fondé pour la sensibilisation de la jeunesse sur les thèmes de la santé mentale et la culture du viol. Son OBNL lui vaut plusieurs prix et distinctions dans le monde de l'entrepreneuriat. Elle continue ses œuvres musicales en parallèle pour pouvoir améliorer l'ensemble de son travail artistique.

Programme

La Berceuse de la veuve (2020-23) 10’15”

«La Berceuse de la Veuve» provient d'une pièce théâtrale que j'avais écrite dans le cadre de mon cours d'écriture dramatique pendant mon BAC en théâtre à l'Université Laval. Le concept de base portait sur la quête de l'Amour Éternel. Pour ce faire, la représentation de mes personnages secondaires s'inspirait des caractéristiques des pierres qui sont pour moi relié à l'histoire et ma protagoniste s'inspirait de la musique qui est relié pour moi aux champs vibratoires existant sous toutes les formes. Après l'écriture, j'ai traduit ma pièce en espagnol, pour la mettre en scène au Costa Rica dans le cadre de mon cours de «Proyecto Final ». J'ai fait plusieurs ateliers de recherche sonore avec mes acteurs, mais je sentais qu'il manquait une dimension à mon oeuvre.

Après mon séjour au Costa Rica, j'ai étudié au Conservatoire en composition électroacoustique pour me perfectionner dans le domaine musical. Dans le cadre de ma deuxième année, j'ai mis en musique cette pièce que j'avais écrite et j'ai guidé ma recherche sur la musique rituelle. J'ai exprimé principalement cette composition avec des pierres et des minéraux, et aussi d'autres matériaux que je considère rituels comme: corde de guitare, carillon, air, eau, etc. J'avais envie d'aller encore plus loin dans l'œuvre et donc dans le cadre d'une résidence de création entre Prim et Code d'accès, j'ai travaillé sur la spatialisation de ma pièce pour faire vivre au public une dimension supplémentaire à l'expérience sonore. Dans ce sens, ma pièce se veut une expérience multidimensionnelle et sensorielle. Au plaisir de vous faire découvrir la spatialisation du fruit de mes efforts dans cet espace.

Rocío Cano Valiño (ar)

Rocío Cano Valiño - née à Buenos Aires, Argentine - est compositrice et architecte d’intérieur. Sa production musicale est dédiée aux pièces instrumentales, mixtes et électroacoustiques. Elle est membre du comité artistique de l'Ensemble Orbis, qui est basé à Lyon et qu'elle a cofondé. Rocío a travaillé avec des ensembles tels que : Proxima Centauri, HANATSU miroir, Paramirabo, Ensemble Orbis, Ensemble Ars Nova,     Duo PARCOURS, entre autres.

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Programme

Astérion (2018) 8’22”

Astérion est une pièce acousmatique stéréo inspirée par La Demeure d’Astérion de J. L. Borges. On donne le nom de Minotaure à un monstre qui a le corps d’un homme et la tête d’un taureau. Il s’appelle en réalité Astérion, et vit dans un immense palais (le Labyrinthe) composé d’un tel enchevêtrement de salles et de couloirs qu’il est impossible à tout autre qu’à son architecte (Dédale) d’y retrouver son chemin. Aux yeux d’Astérion, le Labyrinthe est à la fois fini et infini et, par voie de conséquence, tout autant sa maison que sa prison. Les journées se passent à jouer, à courir à travers les galeries de pierre et à faire semblant de dormir. Tous les neuf ans, neuf hommes entrent dans le labyrinthe et Astérion les délivre de leur souffrance. L’un d’eux, avant de mourir, annonce qu’un jour son rédempteur (Thésée) arrivera.

L’oeuvre acousmatique conduit l’auditeur à travers le labyrinthe, à travers ce monde de fenêtres et de portes multiples. Dans la dernière partie de la pièce, la concentration musicale s’accentue: Thésée affronte Astérion, et le tue. On devine à la fin le dernier souffle d’Astérion.


Okno (2020) 10’

Okno est une pièce électroacoustique stéréo inspirée d'une histoire de l'écrivaine argentine Silvina Ocampo intitulée Okno, el esclavo. Dans le conte est toujours présente l’idée du réel et de ce qui est fictif, à la frontière incertaine entre rêve et réalité. Il décrit également la richesse d’invention de l’imagination et des sens... Le conte considère l’identité et l’art comme des vecteurs d’expression.

À travers cette pièce musicale, l'idée de l'imaginaire est exprimée dans des sons qui peuvent comporter une connotation prédéterminée - se construit alors un son imaginaire en dehors du contexte d’origine de chaque élément. De plus, sont utilisés dans l’oeuvre des enregistrements de sons fait avec des machines (magnétophones, etc.) posant la question de la relation des êtres humains avec l’automatisme. Il s’agit de cette limite, où l’outil cesse d’avoir une entité à part entière pour devenir une partie de nous. Le fait que j’ai manipulé la machine n’induit-il pas un comportement déjà humain ?


Pièce commandée par Radio France pour l’émission «Création Mondiale» et réalisée au Studio Groupe de Recherches Musicales (GRM).

Sarah Belle Reid (ca)

Sarah Belle Reid est une compositrice qui joue de la trompette, d'un synthétiseur modulaire et d'une collection toujours croissante d'instruments électroniques fabriqués à la main. Sa voix musicale unique explore les intersections entre la musique classique contemporaine, l'électronique expérimentale et interactive, les arts visuels, la musique noise et l'improvisation. Souvent louée pour sa capacité à transporter les membres du public à travers des aventures musicales saisissantes, la palette sonore de Reid a été décrite comme «gracieuse» et «dansante», ou provoquant un état d’apesanteur comme «de la soie tombant dans  l'espace» (San Francisco Classical Voice). Son premier album pour trompette et électronique interactive, "Underneath and Sonder", est sorti sur pfMENTUM en octobre 2019.

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Manifold (2023) 25’

Manifold porte un regard sur la perception temporelle et la mémoire : de minuscules moments qui semblent persister indéfiniment ; des récits flous et fragmentés qui se dégradent et s'échappent ; rituels oubliés et traditions chères.

Cette œuvre – pour trompette, voix, traitement en direct et électronique interactive – explore la collecte, la manipulation et la distorsion de moments dans le temps grâce à l'utilisation de feedback, de boucles, de circuits chaotiques et de traitement granulaire en combinaison avec des techniques expérimentales de trompette et de chant.

Le résultat est un monde sonore en constante évolution, à la fois intime, implacable, ludique et surréaliste – improvisation frénétique et mélodies fondantes ponctuées de silences.

Diego Bermudez Chamberland (ca/cr)

Diego Bermudez Chamberland est un artiste latino-québécois (Québécois/Costaricain) qui navigue dans plusieurs médiums liés à la création sonore et audiovisuelle tels que la composition, la performance musicale en direct, la performance audiovisuelle et la conception sonore.

Sa pratique s'inspire de son intérêt pour l'exploration de la mixité des matériaux sonores et visuels. La collaboration est un aspect essentiel de sa pratique artistique. Il la voit comme un moyen de transcender ses réflexes créatifs et d'amener ainsi ses oeuvres vers de nouveaux horizons.

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Destin//Trouble (2021) 18’21”

Destin//Trouble est la deuxième composition d’une œuvre acousmatique en trois mouvements (Cartografía interior) puisant principalement son inspiration dans la mythologie scandinave telle que racontée dans le recueil de Snorri Sturluson : l'Edda. Il est important de souligner que l'œuvre n’essaie pas de matérialiser d’une façon littérale cet univers, mais propose davantage une adaptation sonore libre et personnelle. Il en est né une musique qui explore l’énergie, la temporalité continue et fragmentée, les espaces multiples à travers des timbres et articulations variés plutôt qu’une recherche axée sur le mimétisme ou la recréation littérale de cet univers. Les arrimages possibles entre quelques grands thèmes de la mythologie scandinave (les forces naturelles, les territoires infinis et le dynamisme) et la composition ont été explorés durant le processus de création. Ces thèmes se sont transposés dans la morphologie des sons, l’approche formelle du montage et le travail d’espace. Les matériaux sonores au coeur de l'œuvre sont issus de diverses expérimentations ayant comme assises l’hybridation de sons de synthèse, d'instruments acoustiques, de prises de son naturaliste, ainsi qu'une suite de transformations au moyen de traitements audionumériques.

Destin//Trouble a remporté la troisième place (ex æquo) lors de l’édition 2021 du concours JTTP de la CEC.

Crédit  : Félix Thivierge

Nicola Ratti (it)

Nicola Ratti est un musicien et designer sonore aux multiples facettes; il est actif depuis des années dans divers champs d’expérimentation. Sa production sonore crée des systèmes qui prennent forme à partir de la répétition et de l’expansion, et il porte une attention particulière à la construction d’environnements qui reflètent l'espace et l'architecture dans lesquels nous vivons et qui équilibrent les orientations émotionnelles et perceptuelles auxquelles nous sommes habitué.

Né à Milan en 1978, il s'est produit en Europe, en Amérique du Nord, en Russie et au Japon et ses albums ont été publiés par différents labels internationaux depuis 2006. Il a longtemps collaboré avec Giuseppe Ielasi au sein du duo Bellows, formé en 2007.

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so the year will be this one 20’

Version live de K1/K2 pour support, synthétiseur modulaire et boucles de piano.

Tomoko Sauvage (jp)

Tomoko Sauvage (JP/FR) est une musicienne et artiste sonore connue pour les expérimentations instrumentales qu’elle réalise depuis déjà longtemps en mêlant eau, céramique, amplification subaquatique et électronique. Ses recherches sont fondées sur des pratiques de performance en direct qui s’adaptent là a dynamique imprévisible des matériaux. Incorporant des gestes rituels, elle improvise de manière ludique avec l’environnement, utilisant le hasard comme méthode de composition.

Son troisième album solo, Fischgeist, a été enregistré dans un réservoir d'eau à Berlin et publié par bohemian drips en 2020. Elle vit et travaille à Paris depuis 2003.

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Waterbowls solo (improvisation) 30’

Née et élevée à Yokohama, au Japon, Sauvage s'installe à Paris en 2003 après avoir étudié le piano jazz à New York. En écoutant Alice Coltrane et Terry Riley, elle s'est intéressée à la musique indienne et a étudié l'improvisation de la musique hindoustanie. En 2006, elle assiste à un concert d'Aanayampatti Ganesan, un virtuose du Jalatharangam - l'instrument de musique carnatique traditionnel avec des bols en porcelaine remplis d'eau. Fascinée par la simplicité de son appareil et sa sonorité, Sauvage se met immédiatement à frapper des bols en porcelaine avec des baguettes dans sa cuisine. Bientôt son envie de s'immerger dans l'eau fait naître l'idée d'utiliser un micro sous-marin et donne naissance à un instrument électro-aquatique.

Pierre-Luc Senécal (ca)

Maître de Musique, Pierre-Luc Senécal s’est épanoui sur le terrain fertile de l’électroacoustique. Profondément inspiré par le rock, la pop et le métal, il insuffle dans ses pièces électroniques sa sensibilité, son lyrisme et son énergie débordante. Écoutez sa musique et vous découvrirez des ténèbres profondes et des halos de lumière sonore. Vous entendrez rugir chacune des facettes de son répertoire contrasté.

Ses réalisations notables comprennent la conception sonore pour le célébrissime jeu vidéo Resident Evil 7: Biohazard et la fondation du vociférant Growlers Choir. Cet ensemble vocal formé exclusivement de chanteurs métal a fait sensation en participant à America’s Got Talent, l'un des spectacles télévisés les plus médiatisés au monde.

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Broken Voices (2023) 14’ - **création**

Broken Voices est le premier volet d'un cycle d'œuvres explorant le thème de la guerre. Ce sujet m'a inspiré à faire une vaste recherche de nature historique. Celle-ci a, paradoxalement, renforcé les questionnements artistiques. Comment représenter en musique les atrocités de la guerre? Comment utiliser le son pour évoquer sa violence? Comment rendre universel le traumatisme spécifique d'une guerre? Comment s'inspirer d'une expérience que l'on n'a pas vécue soi-même? Je présente quelques-unes de mes réponses dans Broken Voices.

Dans cette pièce, j'ai fusionné des éléments d'œuvres antérieures, des sons d'objets métalliques, des chansons d'époque sur vinyle et surtout des échantillons de voix que j'ai transformés par saturation et par feedback. Les voix résonnent avec elles-mêmes, symbolisant métaphoriquement des cris noyés dans une mer de bruit.

Merci à Marc Béland, Émilie Sigouin, Vincent Pascal et Rose Naggar-Tremblay pour leurs voix. Merci aussi à Jonathan Littell, qui a généreusement autorisé l'intégration d'extraits de son roman Les Bienveillantes. J'ai co-créé cette pièce en collaboration avec Pierre Alexandre Tremblay et Bernard Gariépy-Strobl. Merci pour leur aide inestimable avec la réalisation musicale et le mixage, respectivement.

Marja Ahti (fi)

Marja Ahti est une artiste sonore et compositrice suédo-finlandaise. Travaillant avec des enregistrements de terrain et des sons acoustiques ou électroniques texturés, elle explore la frontière où ces derniers se croisent et communiquent. Elle crée des récits musicaux précis avec des textures acoustiques détaillées en mutation lente auxquelles s’ajoutent des formes et des tons calibrés intuitivement. Sa musique se déploie dans un univers poétique entre l'acousmatique et le documentaire, oscillant entre l'abstraction et le profondément familier.

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Still Lives (2020-2023), 21’

• Untitled
  
• Dust / Light
  
• In Ictu Oculi
  
• Exosphere
  

Pour son concert à AKOUSMA, Marja Ahti interprétera un set fusionnant du nouveau matériel avec des réalisations uniques de pièces récentes. Les performances d'Ahti s'inscrivent souvent dans la continuité du processus de composition, dans lequel de nouvelles pièces poussent comme des branches à partir de structures préexistantes.

                           

Devon Hansen (us)

Devon Hansen est un musicien et écrivain basé à Montréal.

Ayant produit de la musique électronique depuis l'âge de 12 ans et affiné ses compétences en composition grâce au programme d’études électroacoustiques de l’Université Concordia, son travail a pris un large éventail de formes: du hip-hop, de la techno et de la musique ambiante aux compositions pour podcasts, installations sonores et médias interactifs, ainsi que des pièces acousmatiques multicanales. Leur musique ont été publiés par un certain nombre de labels en Amérique du Nord, en Europe et au Japon, et ils ont joué dans de petits espaces indépendants comme dans des festivals plus importants.

Récemment, Hansen a développé une approche de la performance improvisée axée sur l'utilisation hybride de la synthèse modulaire et d'un ordinateur portable, dans lequel ce dernier sert de boucleur en direct et processeur pour une seule source sonore. Aucune note de patch ou structure n'est déterminée à l'avance, et peu ou pas de répétitions ont lieu, une méthode inspirée par l’expérience de Hansen dans le cadre du trio d'improvisation Fousek/Hansen/Tellier-Craig.

Hansen travaille actuellement sur une série de sorties pour le label numérique Idioms. Vous pouvez également suivre leur travail sur Instagram.

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Untitled Improvisation 

Nicola Giannini (ca/it)

Nicola Giannini est un compositeur de musique électroacoustique qui vit et travaille à Montréal. Sa pratique est axée sur la musique immersive, à la fois acousmatique et en direct. Ses œuvres ont été présentées en Amérique du Nord, en Amérique du Sud et en Europe. Il a reçu le premier prix au concours JTTP 2019 organisé par la Communauté électroacoustique canadienne et une mention honorable au XII° concours de la Fundación Destellos. Il a été aussi finaliste au concours Città di Udine 2018. Originaire d’Italie, il est étudiant au doctorat sous la direction de Robert Normandeau à l’Université de Montréal, où il est également auxiliaire de recherche au Groupe de recherche en immersion spatiale (GRIS) et chargé du cours.

Programme

Rebonds (2021) 13’

Rebonds est une pièce ludique qui explore les frontières entre rythme, hauteur, texture et espace. L’œuvre s'inspire de la figure rythmique du rebond, une figure récurrente en musique électroacoustique, caractérisée par la répétition d'un élément à une vitesse progressivement croissante. L’objectif est de créer des chorégraphies sonores, en explorant les possibilités de spatialisation du son. La pièce a été composée à l’Université de Montréal et lors d’une résidence au centre d’art Sporobole, à Sherbrooke.

La pièce  remportait en octobre 2022 le prix Micheline-Coulombe-Saint-Marcoux lors de la première édition concours AKOUSMAtique.

Bénédicte (ca)

Maxime Gordon est une artiste interdisciplinaire basée à Montréal, travaillant principalement dans le domaine du son et de la musique. Elle publie et compose de la musique électronique expérimentale sous le nom de Bénédicte depuis 2017. Sa musique mélange des synthétiseurs envoûtants, des paysages sonores déformés et des échantillons vocaux scintillants pour explorer des moments d'introspection et de sensation.

Elle a présenté son travail dans des lieux et des festivals en Amérique du Nord et en Europe, tels que MUTEK (Montréal), l'Institut du Son Spatial (Budapest), MONOM (Berlin), Eastern Bloc x Nuit Blanche (Montréal) et Glory Affairs x Punctum (Prague).

Son album le plus récent est le EP de 5 titres intitulé "When It Binds", sorti sur le label discographique Blueberry Records basé à New York en 2021. Elle travaille actuellement sur un nouvel album et organise des promenades sonores (soundwalk) à travers Montréal.

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Halves, Shoals (2023) 15’50

Création

Elias Merino (es)

Elías Merino est un compositeur, artiste sonore et chercheur basé à Madrid. Sa pratique comprend l'installation, la composition et la performance live. Son travail dérive de la musique informatique abstraite algorithmique à l'électronique contemporaine inhabituelle et à la musique instrumentale et explore le changement de perspective temporelle, les récits fracturés, la contemplation immersive, l'altérité et l'étrangeté.

Il s'intéresse également à différentes approches liées aux futurs spéculatifs et à la fiction, à la matérialité post-numérique et aux posthumanités. Elías est la moitié du duo audiovisuel SYNSPECIES avec Tadej Droljc et la moitié de Grievous Bodily Harmonics avec Rian Treanor.

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Programme

Synthesis of Unlocated Affections: empathy distress (2023) 30’

#thingness #xenorepresentation #presence #brutalistmateriality #uncanny #defamiliarisation #postdigitalontology #noornamentation #elasticity #wrongsublime #unitary #disafection #partiallyconnectedessentiallyisolated #displacingtheemitter #selftransformation #unusualemergentqualities #othernes

Evan Magoni / Gonima (us/ca)

Gonima est le pseudonyme d'Evan Magoni (il/lui), un artiste audiovisuel basé à Montréal qui explore l'esthétique glitch, les rythmes complexes, les mélodies lumineuses et les atmosphères ambiantes. Il utilise l'édition audio de manière pointilliste ainsi que des processus musicaux génératifs pour créer des textures numériques détaillées, une tonalité éthérée et des arrangements musicaux de type collage, le tout avec une dimension émotionnelle.

Le projet Gonima a débuté en 2011 à Philadelphie et a depuis vu ses créations publiées par Satellite Era à Chicago, Sunset Waves à Austin, au Texas, Bullflat3.8 à Kyoto, au Japon, ainsi que par les labels montréalais ygrade et Ancient Robot, ainsi qu'à Munich, en Allemagne, chez Slam City Jams.

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Programme

Homeostasis (2023) 15’40

Création

Olivia Block (us)

Olivia Block est une artiste médiatique et compositrice. Sa pratique comprend des performances live, des enregistrements, des installations audiovisuelles, de la conception sonore et elle compose aussi de la musique de chambre et des pices pour orchestre.

Les pièces studio de Block combinent souvent des enregistrements de terrain, des sons électroniques, de l’orgue électrique, du piano et de longs passages de musique de chambre. Ses enregistrements sont publiés par Another Timbre, Erstwhile, Glistening Exemples, NNA Tapes, Room40, Sedimental et Touch, entre autres labels.

Son plus récent album, Innocent Passage in the Territorial Sea, est disponible sur Room40.

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Programme

Breach (2022) 24’

La nouvelle composition sonore multicanal de Block contient des enregistrements de terrain provenant de divers endroits de la Laguna San Ignacio (lagon de San Ignacio) dans la Baja, au Mexique. De plus, Block ajoute du matériel audio synthétisé en réponse aux enregistrements de terrain. Cette composition place l'auditeur dans le lagon depuis de multiples points de vue : sous l'eau, sur le rivage et à l'intérieur de paysages marins imaginaires. La combinaison d'enregistrements de terrain et de textures synthétiques crée un espace sonore subjectif plutôt qu'une représentation objective d'un lieu. Le collage sonore est un cadre à travers lequel nous pouvons imaginer l’expérience d’une baleine qui écoute. Lorsque nous nous imaginons écouter, nager et respirer, nous sommes souvent interrompus par la présence de bruits anthropiques. San Ignacio est la résidence hivernale des baleines grises du Pacifique oriental (dont les expirations à la surface des eaux peuvent être entendues dans certains enregistrements). Le lagon est un endroit vierge protégé par l'UNESCO où les baleines peuvent se reproduire et se nourrir. Il y a des bateaux présents dans les eaux, capturés dans ces enregistrements, qui provoquent un grand vacarme sous l'eau et couvrent les sons naturels.

Aho Ssan (fr)

Aho Ssan est le nom d'artiste de Niamké Désiré, qui est basé à Paris. Après des études de graphisme et de cinéma, il commence à composer de la musique électronique et à créer ses propres instruments numériques.

Peu de temps après, il remporte le prix de la télévision de la Fondation France pour la bande originale du film Dissimulée d'Ingha Mago (2015) et travaille sur plusieurs projets liés à l'Ircam/GRM en France.

Son premier album, «Simulacrum», est sorti le 7 février 2020 via Subtext Recordings. Basé sur la pensée de Jean Baudrillard, il navigue à travers la présentation de l'inclusivité et de l'égalité dans la société par rapport à sa propre expérience de grandir noir en France. Aho Ssan a fait ses débuts avec «Simulacrum» à Berlin Atonal 2019.

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Programme

The Falling Man (2021) / 24’08

Commande INA grm dans le cadre de Re-Imagine Europe, cofinancé par le programme Creative Europe de l’Union Européenne.

The Falling Man est une pièce en trois parties, ayant comme but de plonger l’auditeur dans l’inconnue. Le titre est une référence à la célèbre photo de Richard Drew, prise lors de l’attentat du World Trade Center. Produite pendant la crise du covid, la pièce tente de faire un lien avec les événements que nous vivons tous depuis plus d’un an. Contrairement à la célèbre photo, la pièce tente d’avoir une fin bien plus heureuse.